'Aguas oscuras', la corrupción e impunidad de las empresas que contaminan

Madrid

Todd Haynes se enfrenta a la industria química en Aguas oscuras, un thriller judicial con Mark Ruffalo y Anne Hathaway. Es nuestro estreno de la semana, con permiso de Las aventuras de Doctor Dolittle, la vuelta de este personaje, pero ahora con Robert Downey Junior. También hay reguetón, el de Pablo Larraín en Ema, película que mira con perplejidad a nueva generación de mujeres que rompe moldes. En cine clásico vamos a repasar la carrera de Pepa Flores, Marisol, Goya de Honor este 2020. Y en televisión, vuelve Stephen King, El visitante es la nueva miniserie de HBO basada en una obra de este escritor, uno de los más adaptados al cine y a las series.

• Estrenos de cine: 01:00 a 44:00 minutos 
• Sucedió una noche: de 45:00 a 69:00 minutos 
• Estrenos de televisión: de 70:00 a 98:00 minutos

Aguas oscuras (Todd Haynes)

Los personajes de Aguas oscuras se parecen a esos personajes del pintor Edward Hopper, uno de los artistas que mejor ha retratado a la América Profunda. Por eso, Todd Haynes, recurre a su estética para mostrar cómo toda una población fue abandonada a su suerte en un lugar recóndito de Cincinnati. El director de Lejos del cielo, I’m not there o Carol, se ha embarcado en un thriller judicial y social, que recuerda a las películas de Pakula, pero que tiene una mirada tremendamente actual.

Inspirada en una historia real, que descubrió en la prensa el propio actor protagonista, Mark Ruffalo, cuenta el caso que conecta un número creciente de muertes inexplicables con una de las corporaciones más grandes del mundo por la contaminación química de las aguas, que afectó a miles de personas. Lo que empieza como un problema local acaba siendo una gran negligencia y un proceso de corrupción y de envenenamiento masivo, a través de un componente, el teflón, presente en muchos objetos que consumimos en todo el mundo. La globalización de la corrupción.

El cine americano está lleno de héroes anónimos. Individuos normales y corrientes que luchan contra el sistema, sin querer destruirlo. La historia de David contra Goliat la hemos visto en películas como Michael Clayton o Erin Brokovich. Hay varias diferencias entre ambas historias. El héroe viene del sistema, pero no está solo. Aunque parezca un trabajo en soledad, tiene a su lado a su familia, a su esposa, Anne Hathaway, al pueblo afectado que decide denunciar a esta empresa llamada DuPont y a sus compañeros abogados, como Tim Robbins. Es por tanto, un cambio en el paradigma del individualismo americano.

La elección del tono, gris y frío, evidencia la desesperanza como motor ante un protagonista que choca una y otra vez con el poder. Mark Ruffalo es el protagonista y el verdadero artífice de la película. Leyó un artículo del New York Times Magazine sobre la hazaña de este abogado llamado Rob Billot y decidió que había que contarlo en el cine. Los productores de Spotlight se lanzaron y ficharon al director.

Las aventuras del doctor Dolittle (Stephen Gaghan)

El estreno comercial de la semana. Comedia familiar basada en el clásico de la literatura infantil. En esta ocasión Robert Downey Jr. toma el relevo a Rex Harrison y Eddie Murphy dando vida a este excéntrico veterinario que se comunica con los animales. La cinta, con un presupuesto de más de 170 millones de euros, cuenta cómo Dolittle tiene que dejar su vida de ermitaño para embarcarse en una otra épica aventura en busca de una cura para la joven reina. Esta nueva versión cuenta con un reparto internacional de lujo: Antonio Banderas, Michael Sheen, Rami Malek, John Cena, Ralph Fiennes, Marion Cotillard, Tom Holland y Selena Gómez.

Ema (Pablo Larraín)

El cine de Pablo Larraín siempre ha mirado de forma poética y crítica al pasado. El Chile de Pinochet, de González Videla y de los abusos de la Iglesia recorre sus cintas, de Tony Manero a No, Neruda o El club. Ahora, por primera vez, fija esa mirada, tan autoral y sugerente, en el presente de su país a través de la generación del reguetón. Ema es una experiencia provocadora, ardiente, salvaje y rompedora sobre las pulsiones y retos de las sociedades contemporáneas. Mariana di Girolamo, en un papel deslumbrante e hipnótico, interpreta a una bailarina urbana ajena a todas las construcciones sociales, culturales y religiosas.

Un ciclón ingobernable que convive con la tragedia de haber devuelto a un hijo en adopción, de haber roto los lazos con su pareja, un coreógrafo al que interpreta Gael García Bernal. Larraín utiliza la música como vehículo de liberación, como un mecanismo emancipador para las mujeres, y resignifica y legitima el reguetón en un bofetón a la progesía. "Estas mujeres son feministas, anárquicas, marginales y bailan reggaeton hasta abajo", defiende la actriz.

Un Valparaíso punk, decadente y lleno de graffitis es el escenario idóneo para su propuesta estética y física. Ritmos latinos, colores y perfomances mueven a este grupo de bailarinas, que dominan los espacios públicos tradicionalmente masculinos, como las pistas de baloncesto o las canchas de fútbol. Con ese carácter primario, desprendida de convenciones, la protagonista propone redescubrir el sentido de tribu, revalorizar la amistad y volver a lo nuclear, a la familia, libre de ataduras religiosas. En su empeño, Ema deconstruye una familia para construir la suya propia

En un país muy conservador, Larraín subvierte así los códigos tradicionales de familia y maternidad, y también los de autor y musa, la fuerza del feminismo aplasta y entierra la resistencia patriarcal, encarnada en ese coreógrafo. Presentada en el Festival de Venecia, el director chileno defendía los logros de esta generación empoderada, y ensimismada, que, aún así, pelea por el avance colectivo. Larraín tomó el pulso a su país con una visión premonitoria. Rodada meses antes del estallido social en Chile, la película arranca con un semáforo -símbolo del orden- ardiendo, presagio de las protestas de una generación que ha perdido el miedo. Ema es explosiva, pasional, furiosa y contradictoria, una película personalísima y fascinante que invita a dialogar, a debatir sobre el arte, el deseo, la familia y esas mujeres que le perrean a lo establecido.

Te quiero, imbécil (Laura Mañá)

Los tiempos han cambiado, y con ellos la forma de relacionarnos con los demás, de ligar. Y de esto habla Laura Maña en su nueva comedia romántica: Te quiero, imbécil, del amor en los tiempos de Tinder. El protagonista de esta historia es Marcos, interpretado por Quim Gutiérrez, un pobre desgraciado a quien ha dejado su novia, han echado del trabajo y ha tenido que volver a vivir con sus padres. Perdido y desesperado intentará olvidar a su ex y convertirse en lo que cree que es un hombre del siglo XXI gracias a tutoriales de Youtube protagonizados por Ernesto Alterio. Aunque Marcos no está del todo convencido de su fiabilidad.

En todo este proceso de reinvención se encontrará con una compañera del colegio, Raquel, a quien da vida Natalia Tena, la española que aparece en Harry Potter, Juego de Tronos y la próxima The Mandalorian, Raquel es una chica libre, genuina y muy segura de sí misma que le enseñará que no necesita cambiar. La conexión que surge entre ambos se potencia con la música, la directora confiesa haberse inspirado en Once de John Carney para crear ese vínculo entre ambos.

En un ambiente cargado de feromonas, Quim Gutiérrez además de protagonista es narrador y rompe la cuarta pared para generar complicidad con el espectador en esta comedia que saca partido del a veces frívolo mundo de las citas por internet.

Dios es mujer y se llama Petrunya (Teona Strugar Mitevska)

Cada 19 de enero, coincidiendo con el día de la Epifanía, los ortodoxos del Este de Europa celebran la ceremonia de la Cruz. En Stip, un pequeño pueblo de Macedonia, un sacerdote arroja una cruz de madera al río. Decenas de hombres se lanzan al agua para cogerla. Quien lo consigue, tiene garantizada, según la tradición, un año de buena suerte. Pero en 2014 una mujer se lanzó a las aguas y cogió la cruz, un acto que fue considerado un ultraje por las autoridades religiosas.

En Dios es mujer y se llama Petrunya, la directora Teona Strugar Mitevska ha recreado este hecho poniendo rostro a esa mujer que se atrevió a romper con una tradición exclusivamente masculina. “Siempre comienzas escribiendo sobre algo que conoces. Algo particular y específico que define lo que eres y cuál es tu cultura”, afirma la realizadora. “Lo que para mí es evidente es que esta película y la historia de esta mujer que va en contra de las reglas establecidas es algo que encontramos en todas las culturas en un nivel o en otro”.

La protagonista de la historia es Petrunya, interpretada por la actriz Zorica Nusheva, es una joven que no tiene trabajo y que lleva una vida prácticamente marginal, pero que ese día se lanza al río, atrapa la cruz y desafía a todo el poder masculino, desde el religioso al político. Para la realizadora Teona Strugar su película quiere no solo denunciar el sistema religioso y patriarcal de su país, sino que quiere lanzar un mensaje a las jóvenes generaciones para que luchen contra la intolerancia y la desigualdad. “Estoy verdaderamente preocupada por el futuro de las nuevas

generaciones”, nos cuenta la realizadora macedonia. “¿De qué van a vivir? ¿Cómo van a construir su futuro? Vivimos en unos tiempos de cambio y tenemos que cambiar nuestras expectativas y compartir más cosas. Hablando de las nuevas generaciones creo que tenemos que ayudarles a hacer esas transformaciones”, dice.

Dice Teona Strugar que lo que más le enfadó de la historia real es que todo quedara en una anécdota, que los medios de comunicación no trataran en profundidad lo que ese hecho significaba. Por eso uno de los personajes de la película es una periodista que intenta por todos los medios cubrir con rigor la noticia e intentar explicar lo que significa de verdad, huyendo del sensacionalismo. “Las dos primeras críticas que tuve de esta película fueron de dos mujeres. Una me dijo: Teona. Tienes que dejar ya de hacer películas. Y la otra me dijo: este film es horrible porque es un insulto a nuestro trabajo como periodistas. Y yo le dije que por supuesto era un insulto y que era una película incómoda, pero que alguien tenía que tener un gesto valiente”, afirma.

Dios es mujer y se llama Petrunya ha traspasado las fronteras de Macedonia. El film se ha estrenado en varios festivales internacionales, entre ellos el de Berlín y el de Sevilla, y ha ganado el premio Luz del parlamento europeo por su defensa de la igualdad. Porque precisamente eso es lo que quiere denunciar el film película: cómo amparándose en la tradición perviven muchísimos comportamientos machistas y discriminatorios en toda Europa.

El lago del ganso salvaje (Diao Yinan)

Una de las películas más estimulantes del inicio de año cinéfilo que pasó por el Festival de Cannes. El director chino Diao Yinan presenta un thriller de gánsters que retrata lo más sórdido de la sociedad de China con una puesta en escena apabullante. Su potencia visual y expresiva te sumerge en este juego de gatón y ratón. Ese gánster es perseguido por bandas de mafiosos, que esperan una recompensa, y por amplio un dispositivo policial mientras se deja llevar por la ayuda de una sospechosa prostituta y busca ver a su mujer por última vez. 

Sobre lo infinito (Roy Andersson)

Y más cine festivalero, el sueco Roy Andersson ganó en Venecia el premio a mejor director con Sobre lo infinito, una comedia sobre la existencia, como todo su cine, que busca, inspirada en el cuento de 'Las mil y una noches', mostrar los momentos más curiosos de la existencia humana mediante la yuxtaposición de distintas etapas de la vida.