¡Vuelve la Fiesta del Cine! Ocho películas que recomendamos para los cuatros días de descuentos
La edición otoñal ofrece entradas a 3,50 euros de lunes a jueves y estas son algunas de las películas que puedes ver
Ocho películas que recomendamos para la Fiesta del Cine
Madrid
Tras el puente de Halloween, donde los superhéroes y el terror han dominado la taquilla, regresa una edición de la Fiesta del Cine para impulsar la asistencia a las salas y dar un empujón a otro tipo de películas que están encontrando su hueco entre el públicos los días laborales. Para esta ocasión no hace falta registrarse para disfrutar de los descuentos, solo con sacar la entrada previamente o en taquilla los espectadores podrán acceder por 3,5 euros a la película que elijan. La cartelera está llena de títulos interesantes, desde un cine más comercial y familiar a algunas de las propuestas de autor claves de esta temporada. Os recomendamos diez películas que merecen la pena para el equipo de El Cine en la SER:
Anora (Sean Baker)
La ganadora de la Palma de Oro en Cannes es una gamberra comedia de aventuras, el reverso de Pretty Woman. Gran retratista de ecosistemas al margen, el cineasta americano Sean Baker se ha dedicado a poner el foco en los no-lugares, en espacios donde nadie quiere adentrarse, ni mirar, ni pasar, ni fotografiar, dándoles una dignidad visual en sus películas que la vida real les niega. Los suyos son personajes que tratan de salir a flote o encontrar algo de comodidad dentro de su hábitat, a pesar de las contradicciones, de hacerlo mal o de la insistencia de un sistema por evitar que salgan de la posición donde les ha colocado. Precisamente en un no lugar comienza esta historia, la de una joven bailarina en un club de striptease en Brooklyn. Baila, acompaña a los clientes, hasta que una noche se enamora de un cliente, un joven ruso, con el que queda fuera del trabajo. La sorpresa es que el chico es en realidad el hijo malcriado de un millonario, heredero de uno de esos oligarcas que hicieron millones con el caos durante la caída de la URSS y cuyos negocios huelen muy mal. El ruso parece enamorado también y la invita, previo pago de un salario, a pasar una semana con él que termina con boda en Las Vegas incluida. Lo que parecía el cuento de La Cenicienta, se acaba de un plumazo, pues los cuentos de hadas no existen, los inventó Disney que, como descubrimos en Florida project, es otro vacile del sueño americano. Los padres oligarcas quieren anular la boda con ayuda de sus dos tozudos guardaespaldas rusos y ante la resistencia de nuestra heroína. Seguir leyendo
'Anora', la comedia gamberra de Sean Baker que entierra los cuentos de hadas
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Salve Maria (Mar Coll)
Una de las propuestas más interesantes del cine español de esta temporada. Mar Coll, directora de títulos como 'Tres días con la familia' y 'Todos queremos lo mejor para ella', regresa al largometraje para poner en jaque otra institución sagrada ligada a la familia: la maternidad. Salve María es la adaptación libre de la novela Las madres no (Tránsito Editorial), de Katixa Agirre, una reflexión dura y profunda sobre un gran tabú todavía en la sociedad: el arrepentimiento de una mujer tras haber sido madre. Ese es el trauma que María, la protagonista del filme, no se atreve a verbalizar. Ha tenido un niño, sufre por su bienestar, se angustia si tiene fiebre y ante cualquier cosa que le pase, sin embargo, no siente nada más ¿Puede una mujer ser capaz de desatender a sus hijos?, ¿Puede ser capaz de matarlos? Son dos preguntas que lanzaba la novela y que la directora recoge en un filme que arranca como un retrato social de la pareja moderna, de los cuidados, la conciliación y el peso de la maternidad en las mujeres de la generación de Coll y Viso, pero que acaba convirtiéndose en un relato de terror, con toques de body horror - ¿qué hay más bestia que un embarazo, un parto y un postparto para el cuerpo de una mujer? - y de cierta fantasía y surrealismo. La directora se reinventa con este coqueteo con el género sin olvidar cuáles son sus fuertes: actrices inmensas y bien dirigidas, dilemas complejos que se salen de la norma social y un ojo fino para el retrato de las mujeres y su contexto social. Seguir leyendo
Mar Coll y Laura Weissmahr convierten la maternidad en un thriller terrorífico en 'Salve Maria'
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Jurado Nº2 (Clint Eastwood)
A sus 94 años Clint Eastwood demuestra que está en plena forma. El veterano actor y cineasta acaba de estrenar, sin mucho ruido, su último trabajo, un thriller judicial en el que muestra su decepción por el sistema y también se interroga por el sentido de lo justo y cómo opera la sociedad de su país. Nicholas Hoult protagoniza esta cinta en la que interpreta a un hombre con un vida encarrilada y a punto de ser padre que es citado como un jurado en un juicio por el homicidio de una mujer. El caso, del que el principal acusado es la pareja de esa mujer, da un giro cuando el protagonista se da cuenta de que por casualidad él puede estar involucrado de forma involuntaria en ese crimen. A partir de ahí Eastwood compone un drama que reflexiona sobre los dilemas morales, sobre el sistema judicial y el funcionamiento de los jurados, y sobre si el fin justifica los medios. Toni Colette, J.K. Simmons y Kiefer Sutherland son otros de los actores que participan en este proyecto.
Clint Eastwood se cuestiona el sentido de lo justo en 'Jurado Nº2'
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La habitación de al lado (Pedro Almodóvar)
Dos temas profundamente almodovarianos centran el primer filme de la carrera del manchego que ha rodado en inglés. Dos temas que el director ha ido tratando a lo largo de su filmografía: la amistad femenina y la relación con la muerte, y que ahora, en un punto importante en su carrera, a sus 74 años, le ayudan a dar un salto en su filmografía con una película contenida, que combina el artificio con la naturalidad y que deja atrás el melodrama, aunque no la influencia de Douglas Sirk, uno de los referentes de Almodóvar. Es cierto que algo queda de ese género que el cineasta alemán y el manchego han elevado a la categoría de alta cultura, quizá el uso de la música, que vuelve a ser brillante, como todas las bandas sonoras que firma Alberto Iglesias, que se mueve entre los elementos clásicos, adaptándose a cada situación: suspense, nostalgia, ternura, tristeza, por las que pasan los dos personajes protagonistas, dos amigas que se reencuentran tras años sin verse. La amistad centra la trama de esta adaptación libre de Cuál es tu tormento (Anagrama), novela de la escritora norteamericana Sigrid Nunez. Una amistad preciosa, más grande que la vida y que se basa en algo que afirmaba el mismísimo Cicerón, que la primera ley de la amistad es pedir a los amigos cosas honestas y hacer solo cosas honestas por los amigos. No es fácil la petición que le hace el personaje de Tilda Swinton al de Julianne Moore, pero sí, como señalaba Cicerón, es una proposición honesta. Ingrid y Martha dos mujeres que trabajaron juntas en los ochenta en una revista. Periodista de guerra una, escritora de autoficción la otra, han llegado a la madurez con trayectorias vitales y profesionales diferentes. Por lo que cada una se relaciona de manera distinta con la vida y con la muerte. Ahora se encuentran de nuevo juntas ante la enfermedad de una de ellas. Almodóvar habla del final de la vida, de la dignidad de la muerte, de cómo sobrellevar una enfermedad como un cáncer. No es baladí que la escritora fuera la nuera de Susan Sontag, que teorizó sobre la enfermedad, en concreto sobre el cáncer, y cuya tesis aparece en boca del personaje de Tilda Swinton. El cáncer no es una lucha entre el paciente y la enfermedad. No hay héroes, ni perdedores. Seguir leyendo
'La habitación de al lado', la bella historia de amistad ante la muerte de Pedro Almodóvar
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Los destellos (Pilar Palomero)
También habla, como Almodóvar, de la muerte la tercera película de la directora zaragozana Pilar Palomero. Su reflexión tiene algo en común, la reivindicación de la bondad y la empatía, pero la historia parte de otra premisa. Los destellos parte de un relato de la escritora vasca Eider Rodríguez, Un corazón demasiado grande, que cuenta la tesitura de una mujer a la que su hija le pide que cuide en sus últimos días a su padre, por tanto, su ex pareja. Con ese dilema, o ese marrón, la directora compone una historia sobre los cuidados, sobre la memoria y sobre el duelo, con una mirada luminosa y llena de empatía. Los tiempos han cambiado y temas como maternidad, la vejez, los cuidados o la muerte cobran otro cariz, como vemos en Los Destellos, donde de una manera sutil y nada sentimentaloide asistimos a una manera de vivir en este mundo, mirando a los demás, ayudando, siendo amables, simplemente estando. Los destellos está salpicada de pequeños detalles visuales, que la directora ha cuidado, los muebles antiguos, las casas que trata de remodelar y alquilar la protagonistas, los objetos que hablan de una vida y de un apego, o los paisajes. Y además destacan las grandes interpretaciones de sus protagonistas, Patricia López Arnaiz, siempre fabulosa en un trabajo en el que debía trasmitir todo el dilema, todo el enfado y toda la tristeza que esa mujer siente de repente, pero con contención. O Julián López, en un papel complejo, el de esa nueva pareja, con una masculinidad ya diferente a esa toxicidad hegemónica, que debe hacerse a un lado en un momento determinado. O la joven Marina Guerola, codeándose con López Arnaiz y con Antonio de la Torre. El actor malagueño firma una de las interpretaciones más brillantes y emotivas de su carrera. Un hombre enfermo y herido, que acepta que su ex mujer le cuide y que llega la muerte. Seguir leyendo
Pilar Palomero ilumina la vida y la muerte en 'Los destellos'
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Rita (Paz Vega)
El debut en al dirección de la actriz es un precioso homenaje a una generación de madres y también un drama sobre la violencia machista en los 80, cuando aún ni las autoridades ni las familias ponían nombre a las agresiones contra las mujeres. La película cuenta la historia de una familia en la Sevilla del del año 1984. Una niña de 7 años, Rita, espera junto a sus hermanos el comienzo del verano, pero al mismo tiempo es cada vez más consciente de la tensión familiar que se vive en su casa. “Yo quería hacer una película muy luminosa en la que hubiera mucha alegría y mucha vida”, explica. “Quería que mi película fuera un homenaje a una infancia preciosa, que reflejara que el primer día de piscina del verano era todo un acontecimiento. Me parecía bonito rescatarlo para que la gente de una generación conectara con sus propios recuerdos. Éramos niños sin tecnología, que jugábamos en la calle”, dice la ahora directora. “Pero a la vez quería contar algo muy serio que apelara al espectador para que hiciera una pequeña reflexión sobre las cosas que como sociedad tenemos todavía que cambiar”. Y así es. En la película se ve el machismo de la época y sus trágicas consecuencias. “Nosotros somos las mujeres que somos y estamos donde estamos porque tuvimos unas madres que sacrificaron su vida por su familia y por sus hijos, pero que nos advirtieron y nos dijeron que estudiáramos y que trabajáramos y que fuéramos independientes y que no dependiéramos de los hombres. Todas las mujeres de mi generación han tenido esa conversación con su madre”, afirma Paz Vega. Seguir leyendo
'Rita', el precioso homenaje a las madres de Paz Vega
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Robot salvaje (Chris Sanders)
La gran apuesta de animación de DreamWorks para esta temporada es una emocionante aventura sobre la convivencia con el diferente, sobre las familias elegidas y el amor entre una robot que se convierte en madre de acogida de una cría de ganso. Lupita Nyong'o pone voz -en la versión española lo hace Macarena García- a esa robot (la unidad ROZZUM 7134 o 'Roz'), una máquina que operaba de asistente personal de los humanos y que ha naufragado en una isla deshabitada. Cuando se despierta y se recompone, tiene que aprender nuevos hábitos, y no solo para los que estaba programada, entre ellos, convivir con animales, en un nuevo espacio natural y asumir la tarea de ser la madre cuidadora y protectora de una cría de ganso huérfana. Ahí es donde esta historia, basada en la aclamada novela ilustrada de Peter Brown, crece como un relato sobre la integración, la empatía, la superación y el aprendizaje del otro. Chris Sanders, director y guionista de títulos como Los Croods, Cómo entrenar a tu dragón y Lilo & Stitch, está al frente de este proyecto que reivindica también la conexión con la naturaleza en una época de multipantallas, la necesidad de escuchar y entender a los que vienen de fuera, y el proceso de autodescubrimiento que nos puede transformar si nos acercamos sin prejuicios a lo desconocido. La cinta aúna la comedia, el drama familiar, la aventura y la supervivencia, y la emoción de una nómina de personajes secundarios tan variopintos que dan sentido a la comunidad. Pedro Pascal da voz al zorro Bribón -interpretado por Álvaro Morte en la versión doblada al español-, Catherine O’Hara interpreta a la zarigüeya Colirrosa, Bill Nighy es el ganso Cuellilargo y Kit Connor, la estrella de la serie 'Heartstopper', da vida a la cría de ganso Picobrillo. A ellos se suma, entre otros, un icono como Mark Hamill en el rol de un temible y a la vez adorable oso pardo. Visualmente el director logra combinar la animación digital con un trazo de ilustración pintada a mano que potencia todo ese colorido y salvaje universo de la naturaleza y la visión futurista de las máquinas. Seguir leyendo
La sustancia (Coralie Fargeat)
Pocas veces un festín sangriento, divertido y político se convierte en una experiencia casi catártica. Eso es lo que ha conseguido Coralie Fargeat en cada pase de La sustancia, una de las más propuestas más extremas y sorprendentes de esta temporada. La segunda película de la directora francesa, que logró el premio a mejor guion en Cannes y que ha pasado por San Sebastián y Sitges, es un filme de género puro y duro, con vísceras, pieles abiertas y muchos huesos rotos. El punto de partida La sustancia es magnífico. Demi Moore es una famosa estrella de la televisión, que cada mañana dirige una clase de aerobic en vivo y en directo, pero la despiden porque ha cumplido los cincuenta, es vieja y quieren carne fresca. Así que decide someterse a un nuevo y secreto experimento llamado The Subtance, una especie de bótox que se inyecta y que la convierte en una versión mejorada de sí misma. Más joven, más tersa, más delgada, más fuerte. El problema es que la sustancia solo hace efecto siete días seguidos, luego hay que volver al cuerpo original, y así sucesivamente alternando semanas. Tu yo viejo y tu yo nuevo no pueden convivir en espacio y tiempo, tienen que respetar los plazos del fármaco. De ahí el conflicto que plantea el filme con Margaret Qualley en el papel de esa versión joven. Es difícil querer volver a un cuerpo envejecido cuando recibes halagos, tienes éxito y eres la nueva sex symbol de la televisión. Todo ello lo hace con una película que no teme a volcarse en el género, en el body horror, sin miedo a dejarse llevar por lo grotesco, llenando de sangre un plató de televisión. La directora es feliz dejando referencias a La Mosca de Cronenberg, a Verhoeven, a La muerte os sienta tan bien, con esa chapa y pintura que acaban dándose los personajes de Moore y de Margaret Qualley, a El crepúsculo de los dioses con esa estrella hundida porque Hollywood ya no la quiere. También a El retrato de Dorían Gray o al manejo de los espacios de Kubrick. La película es tan autoconsciente de sí misma que no va más allá. Una historia simple y contundente sin la profundidad intelectual de Titane, cinta con la que es fácilmente comparable al mostrar la moldeabilidad del cuerpo y el dolor y la violencia contra él, pero menos compleja que la Palma de Oro de Julia Ducournau. Seguir leyendo
'La sustancia', un festín loco y salvaje con una espectacular Demi Moore
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