Teatro que indaga en las infancias rotas: redes sociales y delitos de odio

¿Cómo educar a nuestros hijos? ¿Quién los educa? ¿Hasta dónde llega la responsabilidad de los profesores frente a los padres? ¿Cuál es la manera de reconducir sus conflictos? ¿Cómo dar respuesta a aquellos niños que no entran en los cánones de lo que consideramos normativo?

Son preguntas con las que salimos estos días del teatro. Pilar Massa dirige en el Fernán Gómez Vincent River, un thriller del dramaturgo inglés Phillip Ridley, en el que interpreta a Anita, una madre cuyo hijo, Vincent, ha sido asesinado en un terrible crimen homófobo.

"Me apetecía mucho hablar del odio, de los delitos de odio. Efectivamente, gira en torno a un ataque de homofobia. El odio irracional, irracionalmente e increíblemente, nos está invadiendo. Yo me paso toda la función aguantándome las lágrimas, es una mujer que no puede llorar", advertía la directora en la rueda de prensa.

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Anita abre la puerta de su apartamento a Davey, un joven al que no conoce, pero que la ha estado siguiendo. Davey, interpretado por Eduardo Gallo, afirma ser quien encontró el cadáver de su hijo. "Los dos personajes hacen un trato. Ese es un punto de partida, teatralmente hablando, maravilloso. Si tú me cuentas cosas de lo que viste, yo te cuento cosas. Y hablar de Vincent era muy importante porque mi personaje es una manipuladora. Tiene mucho dolor, una pena tremenda, una rabia tremenda, pero ha malentendido la homosexualidad. Muchas veces los padres super protegen tantísimo a los hijos, que les privan de la realidad del mundo", explica Massa.

"Este caso es un caso que ha pasado hace muy poco aquí en España con el tema de Samuel en la Coruña y me gusta trabajarlo desde ahí, desde la realidad", dice Gallo. "Estamos muy confundidos, si creemos es un tema sobre el que hemos hecho check como sociedad. Es un tema que está muy presente, el odio cada día está más cerca de nuestra casa. Hace 50 años vivíamos una represión en España y está volviendo, así que siento como una responsabilidad esta obra", añade el intérprete.

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La siguiente obra también aborda los delitos de odio y la homofobia. Israel Elejalde dirige El nudo gordiano en el Teatro Español, que estrenan el 10 de febrero. Una adaptación de Paula Paz sobre un texto de la autora estadounidense Johnna Adams y protagonizada por María Morales y Eva Rufo.

El nudo gordiano es el encuentro entre Corryn, una madre soltera devastada por lo que ha pasado con su hijo Gidion, buscando explicaciones; y la profesora del niño, Heather, que lleva solo dos años impartiendo clase y está sometida a varias presiones, dentro y fuera del colegio. Un drama y un thriller, poco más se puede contar de la trama sin hacer spoilers.

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El tema principal de la obra es el dolor profundo tras un hecho traumático y no saber qué pasó. "Qué coño ha pasado", pregunta Corryn, que busca explicaciones, más que responsabilidades o culpa, aunque también la pieza se pregunta por hasta dónde llega la responsabilidad de un profesor en la educación y protección del niño y dónde empieza la de las familias. "La incertidumbre es lo peor que llevamos en la vida, necesitamos saber", nos decía la semana pasada el escritor Pol Guasch, que ha publicado una novela sobre el suicidio de su padre, que se quitó la vida sin dejar una nota. Coincide con él Elejalde.

Tres obras para desafiar el tránsito de la vida a la muerte

El nudo gordiano se pregunta qué es la infancia, cuándo dejan los niños de ser inocentes, si es que alguna vez lo han sido. "Un niño ama y odia, puede ser muy cruel", nos cuentan. Si sobreprotegemos a la infancia, que es lo que ha respondido el Partido Popular a la intención del Gobierno de prohibir el acceso de los menores a los espectáculos taurinos. Cómo controlar el odio en las redes sociales, si hay que prohibir el acceso de los menores de dieciséis a ellas, otro de los grandes asuntos de la semana y por los que les hemos preguntado a los tres invitados.

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Otros finales felices que no pasan por comer perdices

Hay relaciones de amor que prosperan, otras fracasan. Hay relaciones de amor que no llegan a iniciarse o que terminan abruptamente. De amor versa también nuestra siguiente historia, de cómo pequeñas decisiones pueden cambiarlo todo. Sergio Peris-Mencheta adapta y dirige Constelaciones, del dramaturgo británico Nick Payne, todo un fenómeno en Londres y que acaba de estrenar en el Teatro María Guerrero, con el Centro Dramático Nacional.

Basándose en la idea del multiverso cuántico, examina las incontables posibilidades de una pareja, o de dos individuos que no llegan a emparejarse. Una física cuántica y un apicultor. A través de saltos temporales y escenas repetidas con variaciones, se muestra cómo pequeñas decisiones cambian su amor, convivencia y desenlace, a menudo marcado por la enfermedad, un tumor cerebral que le diagnositan a ella.

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Clara Serrano, Diego Monzón, Maria Pascual, Jordi Coll, Paula Muñoz y David Pérez-Bayona forman el reparto. Cada noche, los espectadores eligen por sorteo qué dos protagonizarán la obra. A partir de este encuentro casual, de breves escenas o diálogos que se repiten con diferentes desenlaces, la propuesta juega con las múltiples variables de una historia de amor que prospera o fracasa, avanza o se detiene, según las decisiones que vayan tomando los dos.

Las jefas, de Esther García Llovet, también va de una historia de amor, dice, aunque no tiene una trama concreta."Creo que, a veces, el happy end es que no deberíais estar juntos. Lo bueno es que cada uno se vaya por su cuenta. Yo quería escribir una historia de amor así. Si acabaran juntos, para mí sería una historia de ciencia ficción, que para mí es el amor, ciencia ficción".

La escritora nos presenta Las jefas, con Anagrama, el cierre de la Trilogía de los países del Este. En ella nos lleva al Zen Gardens, un hotel en Villajoyosa por el que deambulan una serie de personajes cómicos. Los pijos que se alojan en el hotel y los trabajadores precarios que los sirven.

Esther García Llovet: "Hoy lo tenemos todo en casa porque no quieren que salgamos a la calle y hagamos cosas"

Arte urbano. De los orígenes a Banksy

Desde sus orígenes en Philadelphia o Nueva York a finales de los 60, el graffiti ha pasado de ensuciar las calles, que criticaban quienes no lo entendían, a ser considerado uno de los lenguajes más influyentes del arte contemporáneo. La Fundación Canal ha abierto sus puertas a una exposición con más de 60 obras originales internacionales, un recorrido hasta llegar al más viral de todos, Banksy.

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Lo que hoy se conoce como arte urbano, con obras expuestas en museos y artistas que cotizan por millones, comenzó siendo la expresión de una clase obrera y marginada en los suburbios de ciudades como Philadelphia o Nueva York, que buscaba el reconocimiento de una sociedad que le había dado la espalda. Una historia que comienza en los años 60 con un mensajero de origen griego que empezó a estampar su firma por todo Manhattan.

Su historia y la de cómo aquellas firmas terminaron por convertirse en una profunda transformación cultural nos la cuenta la exposición Arte urbano. De los orígenes a Banksy, que reúne obras de algunos de los artistas más relevantes del movimiento, como Jean-Michel Basquiat o Keith Haring. Con ellos, llegó en los 70 el reconocimiento del grafiti como arte y todavía hoy siguen contándose entre los artistas contemporáneos mejor pagados.

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La publicidad, el diseño gráfico, la contracultura punk y el activismo social forman parte de este lenguaje plástico que utiliza el espacio público para reflexionar, con artistas, como Banksy, que han logrado convertirse en auténticos iconos contemporáneos.