El Oboe mágico de Morricone

La banda sonora de “La Misión” compuesta por Ennio Morricone no podía faltar en nuestra “Discoteca de oro”. Es una música que caló tanto y tan profundamente en el público que fue utilizada en los años 80 y 90 en numerosos anuncios de televisión o en recopilatorios de new age y música chill out. Sin embargo el músico italiano no estaba, al principio, por la labor. Su agenda estaba a rebosar y además había declarado públicamente que no volvería a trabajar para el cine americano. “La Misión” era una producción británica pero la Warner Bros estaba detrás. Su decisión parecía firme pero los productores del film, David Puttman y Fernando Ghia, no se dieron por vencidos e idearon una estrategia para convencerlo. Le pidieron únicamente que viera el film. Una de las primeras escenas emocionó profundamente a Morricone. Jeremy Irons, en plena selva, tocaba una melodía con un oboe y los indígenas se acercaban atraídos por la belleza de la música. La escena se había montado con el adagio del concierto para oboe de Alessandro Marcello y resultaba mágica. Cuando acabó la proyección Morricone tenía los ojos humedecidos y acabó aceptando la propuesta.  

Morricone escribió una partitura que acompaña de forma magistral los distintos niveles dramáticos del film y que consigue fusionar dos sonoridades diferentes: la música litúrgica y post-renacentista de los jesuitas y la étnica de los indios. De ahí que en la película haya varios cantos corales y religiosos con ciertos toques guaranís. Dos temas destacan por encima del resto. Uno de ellos, quizá el más conocido, es el del oboe de Gabriel, una melodía muy hermosa que proporciona una gran sensación de paz. Su composición estuvo condicionado por la capacidad que Jeremy Irons tenía para mover sus dedos en el instrumento. El otro es “Vita Nostra”, una variación sobre el tema principal que suena varias veces en la película, acompañando las imágenes de los indios navegando en sus barcas por el río o poniendo fondo musical a la alegría que se vive en la misión. Morricone grabó la banda sonora en Inglaterra con la “London Philarmonic Orchestra” y la colaboración del coro “London Voices”. Importante fue también la aportación de varios miembros del grupo de folklore andino "Incantation" que utilizaron flautas y percusiones guaranís para ambientar algunas escenas en la selva.  

“La Misión” llegó a la ceremonia de los Oscar con siete nominaciones, entre ellas la de mejor banda sonora, pero solo se llevó al final el premio a la mejor fotografía. El Oscar negado en aquella ocasión a  Morricone está considerado una de las mayores injusticias cometidas en toda la historia de los premios. La vinculación del músico al antiguo Partido Comunista italiano puede ser la razón de que, durante muchos años, los americanos le negaran su total reconocimiento siendo como es uno de los más grandes compositores de la historia. Ha estado nominado cinco veces y nunca lo ha ganado. En 2007 la Academia de Hollywood reparó en parte su error concediéndole un Oscar honorífico por toda su carrera. La banda sonora de "La Misión" vendió millones de discos en todo el mundo. Para Morricone es su mejor trabajo y por su calidad e influencia podríamos afirmar que se trata de la banda sonora más importante de la década de los 80. 

Charlamos hoy con la directora argentina Lucía Puenzo que acaba de estrenar la película “El médico alemán”, una historia ambientada en la Patagonia en los años 60 y que cuenta cómo un misterioso personaje llega hasta ese remoto lugar y se obsesiona con el crecimiento de una niña. Ese hombre no es otro que el nazi Josef Mengele, papel que interpreta el actor español Àlex Brendemühl. La banda sonora está compuesta por dos músicos argentinos, habituales colaboradores de Lucía Puenzo en sus anteriores trabajos, que se llaman Andrés Goldstein y Daniel Tarrab. Hay sin embargo un par de temas compuestos por Warren Elllis y su banda Dirty Three que también suenan en el film y que sirvieron de punto de partida para crear la ambientación musical que la directora deseaba.

Esta semana se ha estrenado en España “Metallica, Through the never”, una película que gira en torno a un concierto de esta banda de trash metal.  “Mettallica” lleva treinta años de carrera y más de cien millones de discos vendidos en todo el mundo. Es, por derecho, uno de los grandes grupos de la historia del rock. La idea de dar el salto a la gran pantalla rondaba en la cabeza del grupo desde los años 90 pero entonces las cámaras eran demasiado grandes para lo que ellos pretendían: rodar desde dentro del escenario. “Metallica Through the never” es mucho más que la típica película de un concierto. Es un film dramático que gira alrededor de una actuación. Mientras se celebra un concierto del grupo asistimos a la historia paralela de Trip, un joven “roadie” que ha de salir fuera del estadio donde se celebra el show en busca de un material olvidado en una camioneta. Tras un accidente se ve envuelto en un feroz enfrentamiento en la calle entre policías y manifestantes, todo ello en medio de un ambiente onírico y apocalíptico. Esta parte dramática está protagonizada por Dane DeHaan el joven de actor al que hemos visto recientemente haciendo de hijo de Ryan Gosling en “Cruce de caminos”.  

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La parte dramática de la película apenas tiene diálogos y se mezcla perfectamente con las canciones que suenan en el concierto ya que las imágenes están ligadas siempre a lo que escuchamos. El espectador además tiene la sensación de estar en el centro mismo del espectáculo ya que el show fue grabado por 25 cámaras 3D, con una nitidez nunca antes vista en un concierto filmado. La banda sonora está compuesta por 16 de los grandes éxitos de la carrera de Metallica. Y no se trata solo de una película destinada a los seguidores del grupo, que sin duda no se la perderán, sino que su mezcla entre fantasía, música y energía rock and roll la convierte en una propuesta muy interesante para cualquier tipo de público.  

El pasado jueves 10 de Octubre se cumplieron cincuenta años de la muerte de la cantante francesa Édith Piaf y por eso nosotros, esta semana, en el espacio que reservamos a las películas biográficas de cantantes y músicos vamos a recordar el film que se estrenó en 2007 sobre su vida, protagonizado por Marion Cotillard y dirigido por Olivier Dahan. En España la conocemos como “La vida en rosa”  aunque su título original es “La môme”, es decir “La niña”, porque a Edith Piaf se la conocía así: “La Môme Piaf”, la niña gorrión. “La vida en rosa” no es propiamente un biopic convencional sino más bien lo que el realizador llamó un retrato impresionista e íntimo de la artista. Marion Cotillard fue la encargada de la difícil tarea de ponerse en la piel de Edith Piaff. Adelgazó varios kilos y poco a poco su cuerpo fue transformándose hasta llegar a ese físico duro, consumido y doloroso que tenía la cantante en sus últimos años de vida. La película muestra a una mujer inteligente sensible, testaruda y, a veces, hasta algo tirana. Un papel que le valió a la intérprete francesa el Oscar a la mejor actriz protagonista en el año 2008.  

En nuestra sección dedicada a los parecidos razonables hoy os hablaremos, entre otros, de un caso que acabó en los tribunales. La única vez que Steven Spielberg prescindió de su inseparable John Williams fue en la película “El Color Púrpura”. El director pensó que tratándose de una película sobre personajes negros era mejor acudir a un músico más especializado como Quincy Jones que además era productor de la película. Sin embargo tras el estreno se encontró con una demanda del músico francés George Delarue que le acusaba de haberle plagiado el tema principal de la película. Dicen que cuando Spielberg comprobó la obra original de Delarue tuvo una discusión tremenda con Quincy Jones y que incluso le arrojó el disco a la cara. Juzgad ahora vosotros si se lo merecía. Este es el tema de "El Color Púrpura".   Y éste el de George Delarue de la película "A las nueva cada noche"   También escucharemos un tema de la banda sonora de la película Cyrano de Bergerac compuesto por Jean-Claude Petit titulado "El duelo".   Que tiene un gran parecido con el tema central del Batman de Tim Burton, compuesto un año antes por Danny Elfman.   En “La Comunidad”, la película de Alex de la Iglesia, Roque Baños compuso una banda sonora muy “elfmaniana”   Esta pieza se parece bastante al tema central de una de las primeras bandas sonoras que Elfman compuso para Tim Burton, la de “Bitelchús”. ¿Qué opináis vosotros?.    

Y de la programación de TCM destacamos esta semana “The Last Picture Show”, “La última película” o “La última sesión”, como también se la conoce, un film dirigido en 1971 por Peter Bogdanovich que se ha convertido, con el paso del tiempo, en uno de los largometrajes emblemáticos de toda la historia del cine americano. El film estaba basado en una novela semi autobiográfica escrita por Larry McMurtry y cuenta la vida de una serie de personajes en un pequeño pueblo de Texas. Está protagonizada por Timothy Bottoms, Jeff Bridges y Cibill Shepherd que debutaba en el mundo del cine. El film obtuvo en total ocho nominaciones a los Oscar y Ben Johnson y Cloris Leachman ganaron los de mejores actores secundarios Por cierto toda la música que suena en el film es diegética, es decir, nace de un tocadiscos, gramola, radio u orquesta. Y para terminar el programa Jorge Martí el cantante del grupo La Habitación Roja nos ha pedido que pongamos el tema central de "Eduardo Manostijeras" de Danny Elfman. Ya sabéis que el programa se emite de cinco a seis de la madrugada pero podéis descargarlo en las webs de cadenaser.com y canal.tcm a partir de el lunes. Hasta la próxima semana.