Estrenos en casa: la película inédita de Kristen Stewart y dos comedias negras

Seberg: más allá del cine es el estreno inédito que, con los cines cerrados, llega directamente a las plataformas. Kristen Stewart protagoniza este thriller en el que retrata la persecución que sufrió la actriz de Al final de la escapada. También hay películas que han pasado por las salas y ya llegan a las plataformas, por ejemplo Quien a hierro mata, el thriller de Paco Plaza con Luis Tosar y Enric Auquer, y Puñales por la espalda, una de las comedias del año que junta a Daniel Craig con Ana de Armas. Además de recomendaciones de cine clásico, repasamos el estilo y la carrera de Eric Rohmer, el director francés de las casas de la playa. Y en televisión, ya está disponible todo un fenómeno de la ficción española e internacional, la cuarta parte de La casa de papel. Eran los años 60 y Jean Seberg volvía a EEUU como una estrella. La actriz se había convertido en un icono de la Nouvelle Vague tras protagonizar una de las grandes obras de Godard, Al final de la escapada. Ella no quería ser la novia de América, quería utilizar su posición para implicarse políticamente. «La revolución necesita estrellas de cine», dicen en un momento en la película, una declaración que 60 años después parece hecha a medida de Kristen Stewart, estrella juvenil con Crepúsculo que también usa su fama para desafiar el status quo. «El poder de mi voz es inmenso, soy consciente de ello, y defiendo el tipo de persona que soy, aunque no siempre hable de viva voz, sino a través de mis personajes», explicaba en el pasado Festival de San Sebastián. Conocido su compromiso político, y últimamente sus demandas para interpretar a una superheroína gay, Stewart se ha convertido en una de las voces más combativas de Hollywood. «Llevo la política encima. Hay muchas cosas que hay que defender hoy en día, queda claro de qué parte estoy. El cambio climático, la igualdad, el control de las armas de fuego, esas cosas me duelen, me preocupan. Joder, intento hacer algo por esas cosas. Y el feminismo lo llevo como segunda piel, es bastante evidente». Por eso aceptó este papel, para, dice, perderse en un personaje con muchas causas. La cinta se centra en los años en que Seberg entró en contacto con integrantes de las Panteras Negras en defensa de sus derechos civiles. Apoyó su causa públicamente e hizo donaciones a favor de su lucha contra la persecución de los negros en EEUU. Su compromiso despertó la ira de los sectores más reaccionarios de Hollywood y fue objetivo del programa ilegal de contrainteligencia del FBI. La vigilaron, la acosaron y la sometieron a una presión mediática que la hizo volver a Francia atormentada y paranoica. Jean Seberrg intentó suicidarse en varias ocasiones y murió tras diez días desaparecida. Su cuerpo fue encontrado en un coche. En apariencia, un suicidio por sobredosis de barbitúricos. Pero siempre ha sido un misterio su final. «Hay algunas especulaciones sobre las circunstancias de la muerte, si fue un suicido o un asesinato. Su cuerpo fue encontrado días después, en un coche, hay misterio sobre su muerte. La película muestra cómo ella sufre por su idealismo político, sufre una persecución política y una presión que pudo contribuir a la tragedia del suicidio», comenta Benedict Andrews. Es la segunda película del australiano, que dirige este interesantes y efectista biopic libre. La película fue presentada en el Festival de Venecia y en San Sebastián, no ha pasado por salas y llega directamente a las plataformas con muchas preguntas que resuenan hoy. «En aquellos tiempos América estaba en guerra consigo misma, lo que resuelta muy familiar ahora. La película tiene una influencia, una analogía, sobre la cultura de la vigilancia en la que vivimos, los micrófonos, está en el ADN de lo que somos hoy. El uso de la información para invadir la vida privada, como arma política contra el activismo, cómo el Estado puede usar la máquina de la cibervigilancia para destruir la disidencia». Una película reivindicativa que sirve para reflexionar sobre la privacidad, los linchamientos mediáticos, el poder de las celebridades y un mundo vigilado al servicio del Estado y las grandes corporaciones. Un veterano y prestigioso escritor de novelas policíacas, interpretado por el incombustible Christopher Plummer, aparece una mañana en su dormitorio con el cuello rajado. La policía piensa que detrás de lo que parece un suicidio hay un asesinato y que cualquier miembro de su extraña familia puede ser el culpable. ¿Les suena? Sí, con distintas variantes, es el argumento que hemos visto en decenas de películas, novelas y series de televisión. Es el llamado Whodunit o ¿Quién lo ha hecho?, un género literario y cinematográfico tan popular como muchas veces repetitivo. Sin embargo, Rian Johnson, el director de títulos como Brick, Looper o Star Wars: Los últimos Jedi, ha dado en Puñales por la espalda un atractivo giro, mezclando el caso policíaco con la actualidad política y social que se vive en hoy en día en Estados Unidos y en buena parte del mundo. «Quería que al principio de la película hubiera un interrogatorio, quería un detective excéntrico. Quería todos los elementos que me gustan de este género. Nunca tuve la intención de reinventar el género, solo quería hacer una buena película detectivesca. Esa siempre fue mi meta», explica el realizador. En Puñales por la espalda hay un efectivamente un crimen por resolver, pero también se habla de racismo, de diferencia de clases y de emigración. Todo ello con mucho sentido del humor. Una enfermera latinoamericana (los familiares del muerto no saben muy bien de qué país es y tampoco les importa mucho) y que interpreta Ana de Armas es el centro de toda la trama, la única que puede explicar qué es lo que realmente ocurrió. «Me preocupaba que mi personaje fuera un poco naif, ingenua o poco preparada”, explica la actriz hispanocubana. “Hablando con Rian y reflexionando al estudiar el guion me di cuenta de que no es un personaje poco inteligente sino una persona con una enorme fortaleza y un gran autocontrol», dice convencida. Frente a ella se encuentran los miembros de la familia del finado, unos personajes interpretados por actores tan solventes y conocidos como Chris Evans; Jamie Lee Curtis, Toni Collette o Katherine Langford, a la que vimos en la serie de televisión Por trece razones. Todos ellos representan a distintos estereotipos de una familia de clase alta estadounidense. “Si hay una película sobre una familia disfuncional para que la puedas ver con tu familia disfuncional es ésta. Es la comedia familiar perfecta. Todas las generaciones están representadas”, apunta Jamie Lee Curtis. Y, observándolo todo, un detective que se hace el despistado y al que da vida el 007 Daniel Craig. “Crecí viendo las películas de Agatha Christie con Peter Ustinov y Albert Finney que protagonizó Asesinato en el Orient Express”, admite el actor británico. “Me encanta este género. Además, hay muchas influencias de Hitchcock. Rian Johnson es un cinéfilo. Sus referencias son muchas y muy variadas. Personalmente creo que no es una nueva versión del género detectivesco, pero Rian lo ha modernizado. Le ha dado otro aire. Ha sido muy divertido rodar la película y espero que eso se note”. Puñales por la espalda tiene todos los elementos para que, efectivamente, el público pase un buen rato viéndola. Hay intriga, humor, giros de guion inesperados, una ácida crítica social y, cómo no, una sorpresa final que, por supuesto, no vamos a desvelar. Solo diremos que, en este caso, no hay mayordomo y que el asesino puede ser cualquiera, aunque eso, en el fondo sea lo de menos. Lo mejor es disfrutar viendo una comedia con un guion perfectamente ensamblado, que funciona como un reloj y con una Ana de Armas, a la que recordamos en España en series de televisión como El internado o Hispania, La leyenda. Una actriz cada vez más instalada en Hollywood, a punto de dar el salto definitivo al estrellato. Tras dirigir las tres cintas de la saga «Rec» y triunfar con Verónica, Paco Plaza se aleja del género, del terror, con un thriller denso y turbio sobre el odio, la venganza y sus consecuencias. Luis Tosar protagoniza esta historia violenta y descarnada. El actor gallego interpreta al jefe de enfermeros de un geriátrico, un hombre ejemplar a punto de ser padre que se adentra en la oscuridad cuando ingresa en el centro un viejo narcotraficante. El intérprete borda un papel psicológico y contenido que le obliga a encontrar el equilibro entre las dos caras de su personaje. Toda la película discurre en esa dicotomía, en esa tensión, entre luz y oscuridad, entre vida y muerte, de un hombre poseído por el dolor y el rencor. El ingreso de ese capo de las drogas remueve su pasado, cambia la relación con su mujer a punto de dar a luz y lo enfrenta a los hijos del narcotraficante, dos malos discípulos que coquetean con las mafias colombiana y china. Ismael Martínez interpreta al hijo mayor, y Enric Aquer deslumbra con su papel de hijo pequeño falto de cariño, un cani impulsivo y caótico que le coloca ya en la carrera del Goya a mejor actor novel. Con guion de Julian Galiñanes y Jorge Guerricaechevarría, es la primera vez que el director no participa activamente en el guion. Es su obra más poética y personal, la que marca su camino de autor, lo que le ha permitido lucirse influenciado por el cine asiático, el cuidado formal de los thriller coreanos y la nueva ola del noir chino. Paco Plaza juega con los colores, con los fluidos, con la intensidad del relato, con los contrastes, con la luz, en una cinta, como en toda su filmografía, anclada al espacio, en este caso a Galicia. No hay voluntad de hacer un retrato del narcotrafico, pero sí de quitarle el glamour que el audiovisual le ha coloreado en los últimos años. Porque «Quien a hierro a mata» es la historia de dos familias, de las consecuencias de nuestras decisiones y de la convivencia en un lugar marcado por la droga. A Tosar ese ambiente le resulta familiar, ha comprobado los estragos de la droga en su tierra a lo largo de los años. Con una banda sonora compuesta por Maika Makovsky que retumba en la cabeza del protagonista, Plaza vuelve a divertirse con la música, ya lo hizo en sus anteriores trabajos con Concha Piquer o Héroes del silencio. Aquí va un paso más con la mezcla. Del trap de Yung Beef a Los Suaves y hasta «La vida sigue igual» de Julio Iglesias. Thriller crudo, sórdido, complejo en su moralidad y magistral en su propuesta visual, «Quien a hierro mata» es una tragedia griega, una cinta entregada más a la emoción que a la acción, a la convivencia del ángel y el demonio. Un gil es un pardillo. El crédulo, el ingenuo, el que confía, ve siempre el lado positivo y cree que nunca le van a hacer daño. El mundo está lleno de Giles y los Darín, Ricardo y Chino, padre e hijo, se unen por primera vez en un proyecto conjunto para armar su pequeña revolución. «La lectura del libro dejaba una sensación muy linda que quisimos también replicar un poco. Tiene que ver con el espíritu de la película con cierta reivindicación de la gente común, de la gente que hace las cosas bien y se ven pisoteados. Hacen todo como se supone que deberían y la suerte no va en esa misma dirección, o tal vez, no es una cuestión de suerte y por eso pueden hacer algo al respecto. La película quiere explorar ese espíritu», explicaban en una entrevista con la Cadena SER en el pasado Festival de San Sebastián. Basada en la novela La noche de la Ulsina, de Eduardo Sacheri, la película vuelve a unir al director Sebastián Boreztein y a Ricardo Darín después de Un cuento chino. La Odisea de los Giles es una comedia negra en la que un variopinto grupo de estafados se rebela contra el corralito argentino. El 3 de diciembre de 2001 millones de argentinos se quedaron con su dinero congelado. No podían sacarlo del banco. Empezaba el corralito, un suceso económico y político que marcó y continúa marcando al país. «A partir de la novela y ahora de la película probablemente, de las dos juntas, debe haber arrojado un significativo cambio en lo que es la memoria. Es cierto que no es un tema que se haya deliberadamente tapado, pero tampoco es un tema tan tratado, por lo menos desde diferentes ópticas. Se habla básicamente de las pérdidas económicas pero no de lo que ocurrió, lo que la gente sufrió, cómo los atravesó a todos, las diferencias de casos entre unos y otros serán incontables… Entonces, la conjunción de todo eso más la conformación de este grupo para intentar provocar una reparación nos pareció muy movilizante», defiende Ricardo Darín. La cinta se centra en el delirante plan de unos vecinos de un pueblo de Buenos Aires para recuperar los ahorros que habían depositado en el banco para crear una cooperativa agrícola que les daría trabajo y cambiaría su destino. Víctimas de la estafa de un abogado y un banquero corruptos, acabarán perdiendo todo su dinero. «La película habla un poco de la injusticia, tiene que ver algo con la necesidad de reparaciones por mano propia o comunitarias. De alguna manera encontrar una forma de salir de entre los oprimidos y no de entre los que se supone tienen que intentar de encontrar soluciones», apunta Chino Darín. Ese corralito, decretado por el entonces presidente Fernando de la Rúa, hizo que el Estado quebrase, la moneda se devaluó un 28% y miles de personas lo perdieron todo. Otras, en cambio, se hicieron de oro. Los protagonistas de la película pertenecen al bando de los perdedores, a los que siempre sufren, pero que ahora dicen basta. Hay algo en el espíritu del cine argentino en los últimos años que se ha contagiado de venganza. Relatos salvajes, la comedia de Damián Szifrón, que también tenía a Ricardo Darín en el reparto, era un canto a desfogarse ante las injusticias. La Odisea de los giles va por ese camino. Los protagonistas planean una venganza, un golpe, al estilo Oceans eleven, con más carisma que los americanos, pero muchísimo menos glamour. Junto a los Darín están Verónica Llinás, Luis Brandoni, Rita Cortese o Daniel Aráoz. «Lo malo es que este hijo de puta no va a saber que esto es un acto de justicia», dice uno de los personajes en un momento de la película. La gran baza de la cinta son sus personajes, perfilados y bien construidos, y sus perfectas interpretaciones. Los gags mientras preparan el golpe, las referencias a Bakunin, padre del anarquismo, a lo que pasaba en aquella Argentina tocada y hundida, que tiene mucho que ver con lo que pasa ahora. “Es muy difícil como ciudadanos de este mundo, como habitantes de este planeta en este momento, en donde todo se nota tanto y no hay muchas formas de ocultar los pensamientos, las posiciones…, es muy difícil no haberte sentido atropellado en algún momento por algún motivo. No haberte sentido estafado, ninguneado, no escuchado, aún pudiendo estar muy encumbrados en alguna cosa. Pareciera ser que el sistema en sí mismo es muy inhumano por momentos, muy perverso con muchas personas, muy injusto… Entonces se acumulan dolores, traumas e injusticias. El corralito caló en el ADN de los argentinos, es un hecho traumático, y al cine le ha costado años afrontarlo. Frente a la solemnidad del drama, los Darín prefieren en este caso una comedia cargada de crítica social. “La comedia te permite todo. Te permite pasarte un poco. Te ofrece herramientas que son altamente comunicativas. Cuando nos reíamos a carcajadas, nos estamos entregando, hay una corriente de ida y vuelta, y eso ayuda a que algunos temas se puedan tratar sin lo cual serían prácticamente intratables por el dolor. En este caso con el corralito fueron necesario que pasaron estos 20 años, la distancia, el tiempo, la maduración del evento y demás son los que te permiten tener la distancia para atreverte a tomarlo con un poco de humor. Si las cosas están muy recientes, es muy irreverente todo. Aunque yo creo que el humor es siempre un gran bálsamo para muchas cosas”, dice Ricardo, y remata Chino. “Hay algo de esto de que la historia la escriben los ganadores, hay algo de respeto por la historia, y el humor te permite un poco faltarle ese respeto para que haya una historia que no sea necesariamente la de los libros, la de los datos, la que te ponen siempre enfrente”. El individuo contra el estado, decía el teórico anarquista que tanto se cita en la película. Eso hacía Relatos Salvajes, eso hace La Odisea de los Giles, conseguir que los ricos no se salgan con la suya, aunque haya que montar todo un polvorín. Una persona que confío en las hipotecas subprime, que confío en las preferentes, que confió en los bancos, en que iba a tener un trabajo toda la vida, en que sus hijos podrían estudiar. Los giles están en España, Argentina y en todo el mundo. El sistema les ha fallado, los políticos más. Así que la película sirve de catarsis colectiva. El cine español utiliza el terror para mirar al pasado. Si Paco Plaza situó en la Vallecas de los 90 Verónica, el director Albert Pintó ambienta en el Madrid de la Transición su segunda cinta. Inspirada en hechos reales, la idea proviene del equipo de Bambú, la productora de series como Fariña o Las chicas del cable. Dos de sus responsables, Ramón Campos y Gema R. Neira, firman el guión de esta historia castiza para la que buscaron al cineasta catalán tras el éxito de su primera película, Matar a Dios. «Me siento un director bastante polifacético, me gusta que me lleguen guiones del género que sea. En el terror te lo pasas muy bien porque te da muchas herramientas y muchos mecanismos, es un género muy completo donde juegas con todos los elementos del cine. La fotografía, el sonido, la música, el color... todo va para generar esa atmósfera, pero la verdad es que soy muy visual cuando me llegan los guiones, rápidamente veo cómo enfocarlo, cómo darle un poco mi signatura, mi sello para que no sea sencillamente una película más», asegura el realizador. A finales de los 70, una familia, con muchos secretos, huye del pueblo en busca de esperanza en la capital. Y compran un piso en la calle Manuela Malasaña, en uno de los barrios que simbolizaba el cambio de época en Madrid. Las oportunidades laborales, trabajo en los camiones Pegaso y Galerías Preciados, abrían un nuevo horizonte para esta familia con tres hijos y un abuelo a cuestas. Pero la aventura, la ilusión del progreso se convierte en pesadilla en su propia casa. «Básicamente se trataba de generar ese contraste y esa ironía de que, cuando llegas con toda la ilusión, vas a recibir un bofetón nada más bajar del coche y te vas a dar cuenta de que aquí vas a estar peor que en el pueblo. Y te vas a encontrar una ciudad muy agobiante, muy gris, muy oscura, y sobre todo muy violenta, que va a sacar de debajo de las alcantarillas todo ese barro, todos esos problemas que la familia llevaba y quería tapar con esta mudanza, y se van a dar a cuenta que tienen que superar sus problemas para solucionar un mal mayor». Una crítica a la alienación en las grandes ciudades y el falso progreso social con un reparto sin estrellas. El director busca empatizar con los personajes y que el espectador recorra el viaje a la oscuridad con ellos sin distracciones de rostros conocidos. Da más miedo cuando no conoces tanto a los actores, cuando hay caras algo más desconocidas la empatización es más rápida con el público y creo que conectas más, haces más pequeño ese viaje de distancia entre la pantalla y el espectador, vives más de cerca y sientes más real su vivencia que si ves a un Javier Bardem que se asusta, que dirías: pégale una hostia al monstruo y sal corriendo” Iván Marcos y Bea Segura encarnan el papel de padres, una pareja sin casar en esa época, en un reparto en el que destacan dos jóvenes talentos, Sergio Castellanos, actor de La peste, y Begoña Vargas, intérprete que ha participado en series como La otra mirada. “Además de ser mi primera película, soy fan del género de terror. Ha sido muy emocionante, como poner un check de cosas que quería hacer en mi vida, y Amparo es un personaje maravilloso con muchos matices que hemos ido puliendo. Estoy muy orgullosa del resultado”, cuenta la joven actriz. Al elenco se suman dos colaboraciones especiales, la de Javier Botet, habitual monstruo y referente del terror nacional e internacional, y Concha Velasco como una enigmática señora que parece disponer de muchas respuestas. En la propuesta de Albert Pintó el terror viene de lo cotidiano y de elementos reconocibles, algunos ya en desuso, que son un eficaz recurso para componer esa atmósfera. Hay peonzas, canicas, cabinas telefónicas, crucifijos y hasta un recuerdo de los programas infantiles de TVE. El juego de luces y sombras, del fuera de campo, de sugerir más que de mostrar sustos, sirven al director para entrar, de día o de noche, en este espacio terrorífico sin artificios y con poco espacio para la improvisación de los intérpretes. “Necesito el miedo en tus ojos, en este mecanismo que estamos generando necesito ver el terror, en el fondo lo bonito es no ver lo que te da miedo, si no ver el rostro del protagonista ante lo que tú no ves. Esa sugestión del fuera de campo lo tenían que dar Begoña y el resto del casting. La música también acompaña en este viaje, suenan Julio Iglesias y Raphael, pero la canción de la película la firman el Chojín y Nita, de Fuel Fandango.