Las claves del fenómeno 'Parásitos', comedia romántica, reguetón y gatos

Parásitos, el gran fenómeno del año, llega a plataformas en suscripción. La película de Bong Joon-ho ganó hace un año la Palma de Oro en Cannes y reconstruimos su exitoso recorrido. Si Parásitos fue un fenómeno internacional, aquí también tuvimos nuestra pequeña sorpresa con la última cinta de uno de los cuatro directores españoles con Oscar: El Crack Cero, de José Luis Garci. Llega también The Lovebirds, Los tortolitos, una comedia románica indie con Issa Rae y Kumail Nanjiani, a Netflix. Más estrenos inéditos, Descubriendo a Ana Frank es un documental sobre el holocausto al que pone voz la actriz Helen Mirren. Y para los amantes de las polémicas, de los musicales y lo de kistch, se estrena en plataformas Cats, musical de Tom Hooper con un montón de estrellas convertidas en gato gracias a unos delirantes efectos digitales. En cine clásico, Antonio Martinez nos habla de El Resplandor, una de las películas más terroríficas con uno de los doblajes más locos. Y en televisión hablamos de la guerra de las plataformas, esa batalla que libran todas las empresas del streaming en un momento tan crucial como esta pandemia. Bong Joon-ho es un asiduo a los festivales, desde que en 2003 ganara el premio a mejor dirección en San Sebastián, gracias al thriller Memories of Murder. Un director interesante para la crítica y uno de los que suele engrosar la nómina de los festivales. Parásitos tenía la atracción necesaria. No era una de los nombres galácticos de Cannes, pero tampoco una de las menos atrayentes. Tuvo la mala suerte de coincidir el mismo día que Tarantino. Muchos periodista la vimos después de las tres horas de Érase una vez en Hollywood en un pase de las diez de la noche. Cansancio acumulado, película coreana… Y de repente toda la sala estalla en aplausos y gritos. Todo el mundo metido de lleno en esa historia de dos familias, la rica y la pobre, tratando de aprovecharse del otro. Parásitos ganó la Palma de Oro, por encima de nombres como Almodóvar, Tarantino, Malick o Loach, grandes tótems del cine europeo y norteamericano. Dijo el jurado que por jugar con el género sin olvidar el retrato de una sociedad en estado de shock. En realidad todo Cannes fue una fotografía de un mundo dividido entre ricos y pobres y lleno de hartazgo y de odio. De Cannes, Parásitos salió disparada. En España ya sabíamos que sería el rival de Dolor y gloria, pero se convirtió en el rival de todo el cine americano. Parásitos ganó el Oscar a Mejor película haciendo historia, pues nunca una película que no fuera en inglés lo había logrado. Parásitos ha sumado 53 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos, toda un sorpresa en un país que no consume cine en versión original. También la crítica se ha rendido a sus pies, ¿cuáles son las claves del éxito? La mezcla de la idiosincrasia coreana con el género y los códigos de Hollywood, la mezcla de géneros, que van de la comedia negra, el thriller al drama social, y la conexión con un público que vive la proyección de manera catártica en un mundo, esto también nos lo ha enseñado el coronavirus, profundamente desigual. También hay otro motivo. Este coreano, admirador de Carlos Saura, ya había rodado en inglés, también con Netflix, ahora tiene serie como productor de HBO, no tiene problemas en ir a los festivales… Es ese amigo que cae bien allá donde va. José Luis Garci es uno de los directores españoles más apasionados con el cine. Ejerce de crítico en su programa de radio, ha escrito libros, tenía un programa de televisión, habla de cine con los periodistas sin cansarse y rodar es lo que más le gusta, después del boxeo y el Atleti. Su confinamiento en esta cuarentena sucede con copas de dry martini caseras, con clásicos del cine mudo, películas actuales y con música clásica de fondo. En medio de esta pandemia llega su última película a plataformas. El Crack Cero se estrenó en octubre y ha sido una de las sorpresas de la temporada. Un cine clásico, lento, que reivindica los valores de las películas clásicas de los cincuenta. Con humor de tabaco, con alochol, en blanco y negro y con las referencias que solo Garci es capaz de hacer. Hablamos con el director madrileño que sigue a rajatabla eso de quedarse en casa. Fue uno de los últimos rodajes que logró completarse. Una semana antes de que el gobierno declarase la alerta sanitaria por el COVID-19 y el estado de alarma, Isabel Coixet y su equipo brindaban en la ciudad emblema de la costa levantina, tras haber acabo el rodaje de la película Nieva en Benidorm. Producida por El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar, la película era uno de las grandes apuestas de esta temporada del cine español, pero con una proyección internacional, como tiene todo el cine de Coixet. Nieva en Benidorm era una mezcla de varios géneros, con los que la directora de títulos como La vida secreta de las palabras o Elegy, buscaba retratar la atmósfera de la ciudad, a través de distintos personajes que interpretan Carmen Machi, Timothy Spall o Ana Torrent. Coixet ha rodado en ciudades como Tokio, Vancouver, Nueva York, Barcelona y, la última, ha sido Benidorm. Una ciudad llena de gente, día y noche, que ha pasado la cuarentena casi vacía, como el resto de ciudades españolas. Coixet logró terminar el rodaje, pero el montaje se quedó varado con el confinamiento. Ahora, ya en plena desescalada han vuelto a la actividad. El cine de Pablo Larraín siempre ha mirado de forma poética y crítica al pasado. El Chile de Pinochet, de González Videla y de los abusos de la Iglesia recorre sus cintas, de Tony Manero a No, Neruda o El club. Ahora, por primera vez, fija esa mirada, tan autoral y sugerente, en el presente de su país a través de la generación del reguetón. Ema es una experiencia provocadora, ardiente, salvaje y rompedora sobre las pulsiones y retos de las sociedades contemporáneas. Mariana di Girolamo, en un papel deslumbrante e hipnótico, interpreta a una bailarina urbana ajena a todas las construcciones sociales, culturales y religiosas. Un ciclón ingobernable que convive con la tragedia de haber devuelto a un hijo en adopción, de haber roto los lazos con su pareja, un coreógrafo al que interpreta Gael García Bernal. Larraín utiliza la música como vehículo de liberación, como un mecanismo emancipador para las mujeres, y resignifica y legitima el reguetón en un bofetón a la progesía. «Estas mujeres son feministas, anárquicas, marginales y bailan reggaeton hasta abajo», defiende la actriz. Un Valparaíso punk, decadente y lleno de graffitis es el escenario idóneo para su propuesta estética y física. Ritmos latinos, colores y perfomances mueven a este grupo de bailarinas, que dominan los espacios públicos tradicionalmente masculinos, como las pistas de baloncesto o las canchas de fútbol. Con ese carácter primario, desprendida de convenciones, la protagonista propone redescubrir el sentido de tribu, revalorizar la amistad y volver a lo nuclear, a la familia, libre de ataduras religiosas. En su empeño, Ema deconstruye una familia para construir la suya propia En un país muy conservador, Larraín subvierte así los códigos tradicionales de familia y maternidad, y también los de autor y musa, la fuerza del feminismo aplasta y entierra la resistencia patriarcal, encarnada en ese coreógrafo. Presentada en el Festival de Venecia, el director chileno defendía los logros de esta generación empoderada, y ensimismada, que, aún así, pelea por el avance colectivo. Larraín tomó el pulso a su país con una visión premonitoria. Rodada meses antes del estallido social en Chile, la película arranca con un semáforo -símbolo del orden- ardiendo, presagio de las protestas de una generación que ha perdido el miedo. Ema es explosiva, pasional, furiosa y contradictoria, una película personalísima y fascinante que invita a dialogar, a debatir sobre el arte, el deseo, la familia y esas mujeres que le perrean a lo establecido. Tom Hooper vio Cats siendo niño y durante el rodaje confesaba que “sentía escalofríos pensando que estaba dirigiendo la versión cinematográfica junto a su creador, Andrew Lloyd Webber”. Lo que nunca imaginó el realizador es que esos escalofríos, en lugar de satisfacción, iban a ser finalmente de pavor. A priori Cats tenía muchos elementos para ser una apuesta ganadora. El musical se había estrenado en Londres en 1981; ganó siete premios Tony tras su paso por Broadway y se representó durante 18 años seguidos. Millones de espectadores de todo el mundo, también en España, pasaron por taquilla para ver las distintas versiones de este espectáculo basado en los poemas Old Possum’s Book of Practical Cats de T.S. Eliot. Además Tom Hooper parecía el director adecuado para rodar la versión cinematográfica. En 2011 ganó el Oscar al mejor director por El discurso del rey y su adaptación en 2012 de Los miserables fue un enorme éxito, recaudando en todo el mundo más de 400 millones de dólares. Él, junto al mismísimo Lloyd Webber y Lee Hall, el guionista de Billy Elliot (Quiero bailar) y más recientemente de Rocketman, el biopic de Elton John, se encargó de adaptar el libreto a la pantalla. Se contrató a un reparto estelar con James Corden, Judi Dench, Idris Elba, Jennifer Hudson, Ian McKellen y con la guinda de Taylor Swift. Se contaba con efectos especiales, nuevas canciones y un presupuesto de más de 90 millones de dólares. ¿Qué podía salir mal? Pues, absolutamente todo. Cuando se hizo público el primer tráiler se convirtió inmediatamente en carne de memes en las redes sociales. Fue el primer aviso. La postproducción se hacía eterna. De hecho, Tom Hooper acudió el preestreno del film, el pasado 16 de diciembre, llevando personalmente la última versión en la que había estado trabajando hasta pocas horas antes. Y una vez visto el film, las críticas fueron demoledoras. “Es una muestra extravagante de mal gusto” decía Variety. “Cat-astrófica”, titulaba The Hollywood Reporter. “Volví a casa después de ver Cats y no pudo mirar a mi gato a la cara durante una o dos horas”, escribía el crítico de L.A. Times. Y esas son las más suaves. Ciertamente ver Cats produce sonrojo. Es imposible no reírse de lástima en algunas escenas que son tremendamente ridículas y da verdadera pena ver a verdaderas leyendas de la actuación como Judi Dench o Ian Mckellen con bigotitos, orejas picudas y cola. El film se convierte en una sucesión de canciones sin ninguna tensión dramática y comete el principal pecado de cualquier espectáculo: ser profundamente aburrido. Después del estreno, la productora del film dijo que mejoraría los efectos especiales y una nueva versión de la película llegó a los cines. Ahora ya se puede ver en plataformas. Pero seguramente esto no arreglará el desaguisado. Probablemente lo que ocurre es simplemente que, en este caso, la magia y el juego que provocaba la obra en los escenarios teatrales es imposible trasladarla el cine. No hay más gato encerrado. The Lovebirds, o Los tortolitos en su título en español, es una de las primeras películas que cambia de forma radical sus planes de distribución. Propiedad de Paramount, su estreno global estaba previsto para abril. Con los cines cerrados, llega directamente a Netflix. Comedia romántica que dirige Michael Showalter, habitual en series de televisión y responsable de títulos como La gran enfermedad del amor, película en la que coincidió con uno de los protagonistas de esta historia de enredos. Kumail Nanjiani, actor de origen paquistaní, que estará en Los Eternos de Marvel y conocido por su papel en Sillicon Valley. Le acompaña otra chica de moda, Issa Rae, creadora y protagonista de la serie Insecure en HBO. Ambos son una pareja en crisis tras cuatro años de relación. Ella quiere concursar en el reality The Amazing Race. Él le reprocha constantemente que esté enganchada a las redes sociales. Y ambos llegan a la conclusión de que tienen poco futuro. Pero, camino de una fiesta, se ven envueltos en un accidente, una persecución y un asesinato. El crimen les obliga a embarcarse en una aventura durante toda una noche para encontrar las pruebas que les libren de ser los principales sospechosos. En esta alocada investigación por su cuenta descubren una secta, chantajes a altos cargos, corrupción policial… Esta huida surrealista sirve a los tortolitos para repensar su amor. Con un guion poco original, lo mejor de esta comedia tontorrona y verborreica es la química de los dos actores, dos inmigrantes de segunda generación que ahora protagonizan, sin caer en los estereotipos, una película con vocación de llegar a todos los públicos. La propuesta más comercial tenía visos de blockbuster pero ha acabado siendo una película más. William Eubank, el de La señal, dirige esta historia de supervivencia que protagoniza Kristen Stewart, que parte de una tripulación de un submarino que queda atrapado en el mar mientras le atacan todo tipo de depredadores marinos. El problema de la cinta es de guion, no hay historia ni personajes definidos, solo una huida por los fondos marinos entra estas criaturas. La única moraleja es su mensaje: los humanos han ido demasiado lejos en sus experimentos, perforaciones en el mar, y la naturaleza se rebela. Blinded By The Light, Cegado por la luz, está inspirada en una historia real, la de Sarfraz Manzoor, un enfervorizado fan de Bruce Springsteen desde que era un chaval. Sarfraz escribió un libro autobiográfíco que la directora Gurinder Chadha ha utilizado para hablar de algunos temas actuales que la tienen muy preocupada. “Lo que me inspiró para rodar la película es la forma en la que veo el mundo de hoy en día: la política que nos divide y, por supuesto en Inglaterra, el Brexit que ha traído consigo una polarización muy fea”. La película está ambientada en los años 80 en la ciudad inglesa de Luton y en ella se refleja la situación que vivía por entonces Gran Bretaña. Las políticas sociales de Margaret Thatcher; la inmigración pakistaní; la irrupción cada vez mayor de la extrema derecha en las calles. El protagonista es un chaval de 16 años que no encuentra su lugar en esa sociedad hasta que un amigo le presta un casete de Bruce Springsteen. Y, a pesar de sus primeras dudas, encuentra que las canciones del Boss reflejan todo lo que él siente. Porque Bruce Springsteen habla también de gente que se siente marginada; que lucha para sobrevivir en un sociedad hostil e injusta. Como ya hizo en Quiero ser como Beckahm la directora Gurinder Chadha vuelve a mostrar a un joven inadaptado, que tiene dificultades de integración en su instituto y que tampoco se lleva bien con sus padres. Y solo gracias a la música de Bruce Springsteen conseguirá desarrollar su personalidad. “Si hacemos una película usando las palabras y la música de Bruce Springsteen también podemos aprovechar la filosofía de Bruce y cómo el poder de la música trasciende todas estas potenciales divisiones”, dice nuevo Gurinder Chadha. El protagonista de la película es Vivek Kalra, un joven que apenas tenía experiencia cinematográfica cuando rodó la película. “Necesitaba hacer un poco de preparación porque el personaje es más joven que yo y es algo diferente que yo, pero recuerdo cuando leí el guion pensé que nunca leí algo con lo que me identificara tanto. Mi vida no es exactamente igual porque la suya es bastante trágica y muy triste. Leí el libro en el que se basa la película y eso me ayudó. Y es estupendo tener una gran cantidad de material como fuente que puedes usar y tomar cosas directamente, en lugar de inventar cosas”. Cegado por la luz no es un musical como Mamma Mía. En la película las canciones de Bruce suenan en walkmans y tocadiscos y solo en un par de ocasiones saltan de esos aparatos a las calles. Es un film que, como la reciente Yesterday, utiliza canciones muy conocidas, en ese caso de los Beatles, para contar una historia de superación personal. Un viaje al New Jersey natal de Bruce Springsteen, pero sobre todo a la Inglaterra de los años 80. Dos lugares unidos por las canciones del Boss. Nuevo documental el que se cuenta la vida de esta niña judía, además de realizar una mirada al holocausto. Particpan varios supervivientes en el año en el que se cumplen 90 años de la publicación del famoso diario. Helen Mirren pone voz a la cinta. Las plataformas de streaming se han convertido en estos últimos meses en las protagonistas de muchos hogares durante el confinamiento. Los primeros estudios constatan un notable incremento en los datos de suscripción y visionado. A Netflix, Movistar, HBO, Filmin o Amazon se han sumado en los últimos meses Apple y Disney, que aterrizó en España en plena cuarentena. Durante años se ha debatido sobre la burbuja televisiva, con un aumento anual de las producciones, y ahora el dilema es si hay espacio, dinero y tiempo para tantas plataformas. La ingente cantidad de oferta, la exclusividad de contenidos, los fichajes de showrunner y la opacidad de los datos sirven una batalla que cada servicio libra con un modelo y sus propias armas. Pero todas ponen en el centro la misma herramienta: el big data, conocer al usuario a través de sus movimientos para tomar decisiones en las diferenes líneas de negocio. Elena Neira lleva años analizando la irrupción de estas plataformas y sus consecuencias en la distribución audiovisual. Acaba de publicar «Streaming wars: la nueva televisión», con Libros Cúpula, y con ella charlamos sobre las claves de esta guerra por mantenernos horas en el sofá.

Las claves del fenómeno 'Parásitos', comedia romántica, reguetón y gatos

Se cumple un año de la Palma de Oro a 'Parásitos', la película de Bong Joon-ho que acabaría ganando el Óscar

Llegan a plataformas estrenos inéditos, como 'Los tortolitos', y cintas polémicas, como 'Ema' y 'Cats'

En nuestro podcast entrevistamos a José Luis Garci e Isabel Coixet

Webs de PRISA