El maravilloso capricho de Almodóvar y la innecesaria revisión de 'Rebeca'

Almodóvar lleva los cines La voz humana, su cortometraje post confinamiento en el que participa lo mejor de lo mejor de la industria y que protagoniza Tilda Swinton. Un corto para apoyar a las salas en estos momentos complicados donde empiezan a aparecer otros estrenos con la intención de llevar a las familias a las salas, como la segunda entrega de Trolls, la cinta de animación de Universal. En la era de los remakes no se salva ni Hitchcock, el británico Ben Weathly ha versionado Rebeca, con mucha luz, con color y con Kristin Scott Thomas como una Mrs Danvers más humana. Más estrenos, como Regreso a Hope Gap, un drama británico con Annette Bening que habla del divorcio, el matrimonio y la convivencia. En cine clásico, repasamos ‘Los 7 magníficos’ y la carrera de Xavier Cugat. Y en televisión, hablamos con los Javis que este domingo van a poner punto y final a Veneno, la serie que ha cambiado la representación trans en el audiovisual español. Todo el universo de Pedro Almodóvar está relacionado. Todo dialoga con todo y sus historias se reescriben una y otra vez. Aunque no juegue al palíndromo y a las paradojas, como hace Nolan, el cine de Almodóvar también deja pistas de sus anteriores o futuras películas, de su vida, de sus gustos y hasta de sus ideas políticas. De ahí, que La voz humana, su nuevo cortometraje, sea un resumen y una suma, a la vez, de toda su filmografía. En su primera incursión en el inglés, Almodóvar ha elegido un texto que conoce bien, puesto que ya lo ha adaptado en dos ocasiones. En Mujeres al borde de un ataque de nervios le daba voz al amante, al tiempo que retrataba a un nuevo tipo de mujer en la España moderna de los 80. Y en La ley del deseo, La voz humana era la obra que el personaje de Eusebio Poncela está dirigiendo. Es La voz humana, el monólogo que Jean Cocteau, escribió en 1930. En él, una mujer abandonada por su amante, habla con este por teléfono. Ese drama, el de la mujer abandonada por un amante que no quiere volverla a ver, es uno de los grandes temas del director manchego. Quizá este cortometraje es el más parecido al texto original, donde solo aparecen una mujer y un teléfono en el texto. Algo que recupera Almodóvar en esta tercera adaptación con Tilda Swinton pegada a su iPhone y a sus Air Pods, porque si algo sabe hacer Almodóvar es adaptarse a los tiempos y a lo cotidiano de cada contexto. Si el plano final de Mujeres al borde de un ataque de nervios, viendo el decorado de las azoteas de Madrid, recuerda a esa teatralidad que tiene el cine del director manchego, el plano final de La voz humana va todavía más allá. Su estilo se ha depurado en todo este tiempo y sus mujeres han ido evolucionando con los años. Esa Carmen Maura era la pícara de una nueva era que se abría en España. Una mujer dependiente del amor de un hombre, pero capaz de salir de ese amor romántico. Era el año 88 y Almodóvar definía la película como una comedia con gente bien vestida, con casas bonitas y con una España que necesitaba el optimismo. Ahora estamos en 2020, un año marcado por el confinamiento, el coronavirus y la sensación de que el mundo se ha parado y es otro. La voz humana se rodó justo después del confinamiento, en una España muy distinta de aquella, pero con la sensación de necesitar ese mismo optimismo y esa liberación, que solo una chica Almodóvar puede lograr. El cortometraje es un género que Almodóvar ya ha tocado en varias ocasiones. Ahí quedan Trailer para Amantes de lo prohibido con Bibiana Fernández, La concejala antropófaga, con una brillante Carmen Machi, o incluso Chicas maletas, corto dentro de la película Los abrazos rotos, con el que conseguía unir la historia de Luis Homar y Penélope Cruz con Mujeres al borde de un ataque de nervios. Un ejemplo de que todo en su cine es intertexto y diálogo, consigo mismo y con otros autores. Estos cortometrajes tienen además otra cosa en común con La voz humana, son mini tragedias en un solo acto. Un pequeño relato donde el espacio doméstico -la cocina, la casa, el salón, la terraza- es el lugar de esa tragedia. Almodóvar lleva al máximo la construcción del encuadre, el uso del color y las referencias culturales, como los DVD sobre la mesa, el de Kill Bill, de Tarantino, o el de El hilo invisible, de Paul Thomas Anderson. O los libros de Alice Munro, a quién adaptó en Julieta, o Manual para mujeres de la limpieza de Lucía Berlín, el que será uno de sus nuevos proyectos. Frente a la cultura pop, la alta cultura, con los cuadros barrocos que adornan la casa, como el de Artemisa Gentileschi. Solo un cineasta como el manchego puede permitirse realizar este imponente cortometraje, por presupuesto, por ejercicio de estilo y por contar con los grandes nombres del cine de nuestro país. Alberto Iglesias compone la banda sonora, José Luis Alcaine firma la fotografía, el montaje lo hace Teresa Font, Sonia Grande el vestuario, Antxon Gómez la dirección de Arte. Todo, hasta los efectos especiales, contribuyen a ese juego de representación y realidad, que tanto nos emocionó en Dolor y gloria y que aquí está puesto al servicio de la estética. Ni Hitchcock se libra de la moda de los remakes. Dicen que cada generación tiene que readaptar a sus clásicos y el director británico no escapa a la reactualización. Rebeca, que a su vez se basaba en la novela inglesa Daphne Du Maurier vuelve a cines y a Netflix, pero en color y con unos protagonistas mucho más cercanos al espectador millennial. El director británico Ben Wheatley es el encargado de darle su toque a esta nueva Rebeca, que conecta con esa idea de perfección y postureo que mostramos en las redes sociales. El creador ya sabe lo que es adaptar historias literarias potentes, ya que llevó a la gran pantalla una versión de El rascacielos de Ballard. «En ambas adaptaciones no he tenido que escribir yo el guion, así que eso ha sido mucho más fácil para conseguir adaptar ambas novelas y convertirlas y reducirlas a un guion. Mi parte ha sido transcribir eso en la gran pantalla. Eso es un reto, pero no tan difícil como el del guionista». Con Rebeca quita importancia a versionar a Hitchcock. «La he vuelto a ver, pero también he visto las otras adaptaciones, muchas de ellas hechas para televisión», nos dice en una entrevista en la SER. Sin duda, a primera vista, el cambio más notable para el espectador es el salto del blanco y negro al color, un concepto estético y narrativo que interesaba al director. «El blanco y negro te salva y te lleva directamente al pasado. Es como cuando ves cosas de la Segunda Guerra Mundial en color y te sorprende. Cuando ves algo en blanco y negras piensas automáticamente que es algo que ya no va a volver a pasar. Cuando miras las fotografías de los años 30 en color los ves muy similares a cómo somos ahora, incluso hay ropa o gafas que se parecen. Más que modernizar, creo que el color nos hace ser más conscientes», explicaba. La historia es exactamente la misma. Una joven mujer de clase obrera, que trabaja como dama de compañía de una señorona rica se enamora de un guapo y apuesto millonario en la Costa Azul francesa. Se muda a Manderlay, la mansión del guapo, y allí queda aprisionada por la sombra alargada de la viuda, Rebeca, una estupenda mujer, la mujer diez, a la que nadie ha olvidado y, menos, el ama de llaves, Mrs Danvers, enamorada en secreto de la señora. Y ahí comienza el thriller. La guapa y tímida muchacha es Lilly James, actriz de Mamma Mia, encantada con el personaje. «Es increíble lo mucho que explora y examina el libro, y ha sido un regalo como actriz poder hacerlo». Su compañero de reparto, ya saben, el hombre apuesto, es Armie Hammer, ese actor con hechuras de galán clásico que se atrevió participar en Call me by your name. Cuenta Armie Hammer que fue ambos trabajaron mucho juntos para lograr la tensión. «Tuvimos mucho tiempo además para conocernos y para sentirnos cómodos juntos, de modo que cuando empezamos el rodaje, todo fue bastante fácil para los dos», dice el actor, que reconoce haber sentido presión al tener que emular el trabajo que hacía en la original el actor Laurence Olivier. La novela se escribió hace 90 años y trata temas como el abuso, las relaciones tóxicas, el amor romántico, la dependencia... temas que hoy siguen interpelándonos. «Todos esos debates ya están en la historia original, no creo que necesiten ser actualizados», explica la actriz sobre la necesidad de este remake. Lo cierto es que tanto la cinta de Hitchcock, como la novela, ya hablaban de esto, pero también de los juicios de valor, de la exposición y la fama. «Ya explora las distintas personalidades de las mujeres a través de varios personajes, el patriarcado, el control y las dinámicas de poder entre hombres y mujeres, las versiones que damos de nosotros mismos, esa versión que da Rebeca por la que todo el mundo cree que es perfecta y después resulta que es una mujer totalmente diferente. Todo eso nos acerca a lo que ocurre en a las redes sociales y cómo nos retratamos. Sí hay cosas actualizadas, como mi personaje o el personaje de Mrs Danvers tienen más dimensiones como villana. Lo que es muy interesante», añade la actriz. El ama de llaves más famosa y tenebrosa del cine ahora tiene el rostro y la voz de Kristin Scott Thomas. Si Hitchcock no mostraba a la criada en movimiento, para crear todavía más tensión, en esta ocasión vemos a la actriz moverse libremente por la oscura y triste mansión. ¿Está Mrs Danvers más humanizada? «No creo que ese sea el asunto, creo que es una mujer que ha dedicado todo su ser a otra mujer, desde que era niña hasta que se casó. Sin importarle que fuera un monstruo, porque Rebeca no es una buena persona, pero Mrs Danvers la quiere. Cuando tú encarnas a un personaje tienes que tratar de meter información en ese personaje, si no sería muy lineal. A mí me interesa mucho darle a mis personajes muchas dimensiones, no solo mi cuerpo. Pero no creo que el problema del personaje es que no haya sido entendida», dice Kristin Scott Thomas. La película se ha estrenado en unas pocas salas de cine y ahora llega a Netflix. Lo hace en un momento complejo para la industria, sobre todo para la distribución. Sin embargo, los protagonistas de Rebeca se muestran optimistas. «Sí, superamos la Gripe Española y superaremos esto. La industria va a sobrevivir porque la gente necesita contenidos, necesita películas, las consume donde sea, en casa, donde sea, necesita el arte y va a seguir siendo una expresión humana. Así que estoy esperanzado en que sí, van a sobrevivir», dice Hammer. Afrontar el divorcio de unos padres no es tarea fácil. No lo es cuando los hijos son pequeños, como ya reflejaba Noah Baumbach en ‘Historia de un matrimonio’, pero menos aún cuando, siendo adultos, ven cómo la unidad familiar en la que han crecido se desmorona y, además, les toca ejercer de mediadores entre ambos. El nominado al Oscar William Nicholson escribe y dirige este film que reflexiona sobre la ruptura de un matrimonio tras casi 30 años de relación, poniendo el foco en cómo cada miembro de la familia se ve obligado a rehacer su vida y dando valor a la necesidad de dejar ir cuando algo ha dejado de pertenecerte. Protagonizado por unos magníficos Bill Nighy y Annette Bening, ‘Regreso a Hope Gap’ bebe de las imágenes y sonidos propios de la costa británica y utiliza la poesía como hilo conductor para explicar la evolución de sentimientos que experimentan los personajes. La historia nace de la propia experiencia personal de Nicholson, quien sufrió la separación de sus padres siendo joven. De ahí radica la decisión de contar tanto el camino del matrimonio durante este bache emocional, como el del hijo, que no puede tomar partido por ninguno de los dos y que es sobre quien cae todo el peso de la situación. En ‘Regreso a Hope Gap’, esa madre a la que da vida Bening tiene una tarea difícil de afrontar a su edad: no solo tiene que aceptar que su marido la haya dejado, también tiene que aceptar que su hijo ya no es el niño que vivía con ella, sino un adulto capaz de tomar sus propias decisiones. Nicholson enfoca la trama del film sin antagonistas ni culpables, tan solo con una pareja desgastada tras años y años de matrimonio que, finalmente, comprobará que, en la vida, de todo se sale. Basada en la novela de Rhonda Byrne, fenómeno editorial tras su publicación en 2006, El secreto: atrévete a soñar es una drama familiar y romántico que invita al optimismo y cae en en el sentimentalismo. Katie Holmes interpreta a una mujer viuda, madre de tres hijos, que se gana la vida en un restaurante e intenta salir adelante con buena cara. Acorralada por las deudas, en un casa que no puede reformar, su vida cambiará tras el paso de una tormenta. La amenaza del huracán se personifica en un misterioso hombre que le ofrece ayuda mientras espera el momento de contarle la historia del pasado que los une. Josh Lucas es ese apuesto galán con alma de coach motivacional que va seduciendo a todos y recupera el espíritu familiar con suegra cotilla y novio celoso de por medio. Ambientada en Luisiana, la cinta también recorre visualmente el camino de la oscuridad a la luz con filosofía propia de Mr. Wonderful. Tanto el libro como la película inciden en esa idea de que nuestras vidas son el espejo de nuestros pensamientos, de que la alegría atrae alegría, y de que cambiar el mundo depende de nuestra mentalidad. Andy Tennant, director de Sweet Home Alabama, Por siempre jamás o la serie El método Kominski, se encarga de este melodrama azucarado, vitalista y esperanzador para tiempos oscuros. Hollywood entra en campaña a lo grande. Si el viernes Aaron Sorkin desplegaba su artillería contra la derecha en El juicio a los siete de Chicago, esta semana le toca precisamente, a uno de los actores, de esa película, a Sacha Baron Cohen estrenar su soflama electoral en Amazon. El actor vuelve con Borat, entrega de un soborno prodigioso al régimen americano para beneficio de la gloriosa nación de Kazakistán, comedia en la que recupera al personaje de periodista de Kazajistán, guarro, racista, machista, homófobo y bastante torpe... Algo así como un Torrente, pero muy politizado. Si la primera entrega llegaba en el reinado de George Bush, la segunda lo hace con Donald Trump en la Casa Blanca. Las cosas han cambiado y ahora Sancha Baron Cohen es más radical que entonces. La expectación creada ha sido tal que hasta los hermanos Farrelly directores de comedias como Algo pasa con Mary, han anunciado que estamos ante una película que va a cambiar la vida a algunos políticos americanos. Concretamente a Rudolf Giuliani, exalcalde de Nueva York, miembro del partido demócrata y abogado entre otros de Jeffrey Epstein y Donald Trump. ¿Qué pasa con Giuliani exactamente en la cinta? Pues que cae en una trampa similar a la que tendieron a Harvey Weinstein antes de deternerlo. Esta comedia juega con el formato documental y con esconder todo el rato que hay una mediación de la cámara. Las situaciones bizarras hacen que todo el tiempo nos planteemos si está pactada o una secuencia y otra. La de Giuliani es una de ellas, pero no la única. Giuliani en aquel momento, no reconoció al actor y llamó a la policía. De eso hay constancia en la prensa de aquel día. Tampoco supieron quién era Sacha Baron Cohen cuando irrumpió con una careta de Trump en un mitin de Mike Pence, el vicepresidente de Estados Unidos, para regalarle a su hija menor de edad. Ese es el leitmotiv de la cinta: ofrecer un regalo a Pence para hacer las paces entre países. El regalo es una mujer. Borat destroza al Partido Republicano, lo hace resaltando el machismo de algunos líderes, mencionando todos los amigos del presidente que han acabado en la cárcel o denunciando el uso de jaulas para los niños migrantes. De hecho, mete a su hija -a la que va a vender sexualmente- en una de las jaulas. Toda una crítica política divertida y audaz, con momentos brillantes que desnudan a todo un país, Estados Unidos, y a toda una fábrica de propaganda como la que ha llevado a Trump a la presidencia. Apple TV+ estrena directamente la nueva cinta de Sofía Coppola que supone el reencuentro con Bill Murray 17 años después de Lost in traslation. El actor interpreta al padre de Rashida Jones, una joven hastiada en la vida conyugal, con dos hijas y la sospecha de que su marido le es infiel. Ahí entra en escena Murray derrochando carisma como padre plaboy, antiguo galerista y conquistador nato, que embarca a su hija en la aventura de seguir y espiar a su maridad. Una tragicomedia amable, con poca chispa, sobre la pareja, la soledad y el amor cuando se necesita «matar al padre». La música se convierte en el hilo conductor de «Trolls 2: Gira Mundial», una película en la que descubriremos cuál es el origen de estos pequeños seres animados tan peculiares. Poppy y Branch, a los que ya conocimos en la primera entrega, son los protagonistas de este film en el que descubrirán que, al contrario de lo que ellos pensaban, no están solos en el mundo: existen otros reinos donde habitan unos trolls un tanto diferentes a ellos. Si en el suyo cantan música pop, en otros tocan música clásica, techno o hasta country. Con el objetivo de derrocar a la reina del rock, Barb, que quiere destruirlos a todos y que solo quede su música, los trolls se embarcarán en una aventura en la que se pondrá en valor la importancia de la diversidad y de ser diferentes los unos a los otros para que todos tengamos algo que enseñar a los demás. Si todos los trolls fueran iguales, su mundo perdería color y todo sería terriblemente aburrido.

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