Madrid

Tras la efervescencia cultural de los años sesenta, los setenta mantuvieron el pulso y llevaron la música a nuevas direcciones. Tras la separación de los Beatles a comienzos de 1970 nuevas bandas tomaron el relevo. Los propios Rolling Stones editaron en aquella década sus mejores trabajos, los más ambiciosos. También subieron la apuesta bandas que marcarían el rumbo del rock en los siguientes años como Led Zeppelin, Black Sabbath o Deep Purple. Pink Floyd también exploró las posibilidades sonoras de los estudios de grabación.

En la música negra la revolución fue permanente con obras mayúsculas y arriesgadas a cargo de Marvin Gaye o Stevie Wonder o revisiones clásicas como el Amazing Grace de Aretha Franklin. En los setenta florecieron cantautoras poderosas como Carole King, que irrumpió como un terremoto, o Joni Mitchell.

En aquella década cada vez más lejana grabaron discos eternos músicos como Tom Waits, que inició su extraño viaje con algo de tibieza, o Van Morrison, con esas dos genialidades consecutivas llamadas Astral Weeks y Moondance.

Los años sesenta nos dejaron también el despertar de Bruce Springsteen, que tomaría el toro por los cuernos en los ochenta, pero también de bandas con otra mentalidad y sonido como Ramones, Television, Blondie, Talking Heads o The Clash.

Hoy recopilamos nuestros programas favoritos dedicados a discos editados en los años 70.

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Led Zeppelin | Physical Graffiti

A mediados de los años 70 Led Zeppelin no tenía nada que demostrar. Sus discos eran éxito tras éxito y su vida en la carretera una constante fuente de ingresos. Para mediados de década eran la banda más grande del mundo. A pesar de ello el grupo sintió la necesidad de ir un poco más lejos, de subir la apuesta, incluso de doblarla.

En 1975, Led Zeppelin volvió a las tiendas con Physical Graffiti, su primer disco doble. Más allá de la cantidad de canciones aquel trabajo sorprendió a todos por la variedad sonora. En aquel álbum los ingleses resumieron su carrera como si de un grandes éxitos se tratase. No porque fueran sus mejores canciones, más bien porque estaban todos los estilos sonoros que habían tocado en su carrera.

Marvin Gaye | Whats Going On

En 1971, un Marvin Gaye deprimido se encerró en el estudio para escribir, cantar y producir Whats Going On, uno de los discos más poderosos de la historia del soul y una apuesta personal en la que nadie creía pero que terminó siendo un golpe encima de la mesa. Tras destacar como batería de Smokey Robinson, como compositor para Motown y como cantante de pop durante los años setenta, Gaye dio un giro a su carrera editando esta joya que lo consagró como uno de los grandes nombres de la música negra y uno de los más geniales compositores de su generación.

Carole King | Tapestry

A los cuatro años Carole King tocaba el piano, a los 15 dirigía una orquesta y a los 17 años ya había conseguido su primer número 1 en EEUU. A lo largo de su carrera, King ha compuesto 400 canciones, cien de ellas entraron en la lista de éxitos. El viaje de Carole King abarca varias décadas y tuvo varias cimas, ninguna tan alta como Tapestry, el álbum de 1971 con el que la compositora de Brooklyn conquistó la eternidad. Tras grabar dos fallidos discos con los que intentó consolidarse como cantante, King volcó todas sus esperanzas en Tapestry. La pianista subió la apuesta y ganó el gran premio. Aquel disco vendió más de 10 millones de copias, arrasó en los Grammy y consolidó a King como una de las más importantes compositoras de todos los tiempos.

Fleetwood Mac | Rumours

Tras llegar al número 1 en EEUU con su disco homónimo de 1975, los miembros de Fleetwood Mac vieron como sus vidas personales se desmoronaban. Cuando la banda llegó a Sausalito (California) para grabar Rumours sus vidas eran un caos. Cinco músicos, cuatro casados entre ellos, y cinco traumáticas separaciones. En ese tenso ambiente se grabó esta joya del pop registrada entre kilos de cocaína. Las canciones de Rumours reflejan ese ambiente y reflejan el momento que vivían sus músicos, con pullas cruzadas en todas las canciones.

Neil Young | Harvest

Tras formar parte de Buffalo Springfield y de CSNY, Neil Young lanzó su carrera en solitario que en 1972 llegó a su cuarta entrega con Harvest, el álbum más exitoso del guitarrista canadiense. Con Harvest, Young dio un golpe encima de la mesa sacando todo su talento con una colección de canciones evocadoras e íntimas que mostraron su lado más sensible como compositor. En el disco Young habla del paso del tiempo, de las contradicciones, del racismo y de la plaga de la heroína que se llevaba a sus amigos. Pocos discos resultan tan evocadores y hermosos como la obra magna del canadiense.

Van Morrison | Moondance

En 1970, un Van Morrison de 24 años se lo jugaba todo. Su futuro en la música estaba en el aire tras el final de Them y el fracaso comercial de su arriesgado Astral Weeks. Morrison necesitaba triunfar, tener canciones de éxito y algo tan básico y esencial como comer. Necesitaba dinero y confirmar a su sello que tenía un futuro por delante. Morrison entró a los estudios de Nueva York con todas esas urgencias en el verano de 1969, a la par que se celebraba el festival de Woodstock, y salió de allí unas semanas después con las canciones de Moondance, un disco al alcance de muy pocos.

Joni Mitchel | Blue

Hay discos que hablan del amor y luego esta Blue, un álbum que consagró a una joven Joni Mitchell que vivió su mejor momento profesional mientras su vida se tambaleaba. En Blue, Mitchell plasmó todos sus sentimientos y sus dudas, también una ruptura sentimental que marcó el tono del álbum hasta que un nuevo amor se coló en él. En estas canciones Mitchell consolidó su personal estilo compositivo, una forma de escribir canciones que ha influenciado en centenares de cantautoras de generaciones posteriores.

The Clash | London Calling

Los grandes discos de la historia han hablado de amor, de rebeldía, de sexo, de rupturas. Ninguno hizo jamás una elegía tan acertada y poderosa de los perdedores como el London Calling de The Clash. La banda inglesa editó su obra maestra en 1979 con los últimos estertores del punk. El grupo liderado por Joe Strummer quiso mirar más allá del género, recuperar las raíces y crear algo diferente. El resultado de aquel viaje provocó una revolución en la música encumbrando a The Clash como una banda única, como “la única banda que importa”, tal y como se la conoció entonces.

The Clash consiguió en su tercera entrega aunar un sonido revolucionario con ideas revolucionarias en un disco doble que es un microcosmos. En sus 19 canciones hay rock, ska, reggae, punk y una buena dosis de pop.

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Tom Waits | The Heart of Saturday Night

En 1974, tras una gira terrible como telonero de Frank Zappa y el escaso éxito de su primer disco un Tom Waits de 24 años volvió al estudio con una nueva idea, otro sonido y una imperiosa necesidad de consolidar su personaje y su carrera. A mediados de año salió de los Wally Heider Studios con el fascinante The Heart of Saturday Night. En este disco Waits muta su sonido, define su personaje y consolida su carrera tras el tibio éxito de su debut. Aquí el músico se aleja del folk y abraza un jazz sombrío que marcará parte de su etapa en Asylum Records.

Deep Purple | Machine Head

Muchos de los grandes discos de la historia fueron creados por bandas al borde del abismo, de la ruptura, por tipos que ya no se aguantaban. Machine Head, de Deep Purple, es uno de esos discos. “Era un grupo único e impactante, la banda era la más innovadora del momento. Nadie podía hacerles sombra sobre un escenario”. Así definía Bruce Payne, manager de Deep Purple, el momento que vivía el grupo en 1972, momento en el que llegó a las tiendas el sexto álbum de la banda inglesa, un disco que los consagró definitivamente, pero que también marcó el final de la formación más recordada del grupo.

Roxy Music | For Your Pleasure

En 1973, Roxy Music editó For Your Pleasure, su segundo álbum de estudio y el último con Brian Eno en la banda. Esa unión de Eno, Ferry, Manzanera y Mackay tomó al asalto el olimpo de la música inglesa con un álbum tremendamente original, fresco, potente y distinto, el producto de esa mezcla de talentos que explotó tras la grabación de esta joya del rock de los setenta. For Your Pleasure es un disco especial, un álbum que tiene la capacidad de envejecer con una elegancia poco frecuente, sus canciones no solo han mantenido la fuerza sino que han ganado fondo y peso.

Ramones | Ramones

Hay discos que importan más allá del dinero que recaudan, álbumes cuyo impacto no se mide en dólares. Ramones inició una revolución en la música de la segunda mitad de los años setenta tras editar su homónimo debut. Aquel trabajo crudo, salvaje y errático marcó el inicio del punk rock. La historia de la banda neoyorquina resulta trepidante, aunque ellos reconocen que solo hacían la música que les gustaría escuchar en la radio, su influencia fue mucho más allá.

En estas 14 canciones tremendamente breves hay un crudo retrato del Nueva York salvaje de aquellos años. Hay violencia, desesperación, desarraigo, odio, dudas. El sentir de una nueva generación de chavales que no se identificaban con la música de los años setenta ni con el idealismo de la contracultura de los sesenta.

Television | Marquee Moon

A pesar de llevar un lustro afinando sus canciones, Television no debuta discográficamente hasta 1977, cuando llegó a las tiendas Marquee Moon. Aquel álbum descolocó a todos y marcó un nuevo rumbo en la música. En sus canciones había poesía, crudeza, rock progresivo, punk, jazz y mucha magia. El disco derribó estereotipos y se convirtió en un trabajo de culto que ha ido ganando peso con el paso de las décadas hasta ser una de las grandes joyas de aquella época.

Construido alrededor de dos guitarras salvajes, Marquee Moon es quizás el mejor ejemplo de cómo encajar a dos virtuosos, de cómo entablar diálogos entre los instrumentos. Pocos trabajos han conseguido todo esto de un modo tan sublime como el debut de Television.

Joy Division | Unknown Pleasures

El viaje de Joy Division fue tremendamente breve, pero su influencia fue mayúscula. La banda inglesa debutó en 1979 con Unknown Pleasures, un disco que marcaría una época y que abriría la puerta a un nuevo tipo de música, un sonido más oscuro, melancólico y que reimaginaba el punk. La aventura de Joy Division fue breve, antes de que su primer álbum cumpliese un año en las tiendas su cantante, Ian Curtis, se ahorcaba a los 23 años, pero su legado trascendió su época y su debut figura en todas las listas que recuerdan los primeros pasos en la música de las bandas.

Pink Floyd | The Dark Side of The Moon

Cada semana, desde hace 40 años, se venden en el mundo al menos 7.000 copias de The Dark Side of the Moon. Siete mil ejemplares de una obra maestra del rock que comienza, y termina, con el latido de un corazón. Un álbum arriesgado que se gestó sobre los escenarios y que estuvo recorriendo el mundo durante un año antes de que se grabase. Pink Floyd publicó The Dark Side of The Moon en marzo de 1973. El octavo disco de los ingleses no tardó en convertirse en un clásico consolidando a la banda como una de las más importantes y exitosas del mundo. Los setenta fueron la gran época de los ingleses que con discos como este o el enorme The Wall marcaron nuevos límites sonoros a la música.

Aretha Franklin | Amazing Grace

En 1972 Aretha Franklin grabó Amazing Grace, uno de los discos más especiales de su carrera, su regreso al góspel tras un lustro fantástico en el que se coronó como la Reina del Soul. Aquel trabajo se convirtió en el álbum de góspel más vendido de la historia y en el trabajo más exitoso de la carrera de la gran Aretha Franklin, en un disco al que la etiqueta de histórico no le viene grande.

Su magia se transmite desde la primera nota hasta la última y por el camino uno se purifica. En sus letras hay un mensaje de paz, de amor, pero impacta más la forma en la que canta Aretha, conectando con su infancia, con su primera escuela musical.

Rolling Stones | Exile on Main Street

Los años setenta de los Rolling Stones, sobre el todo el comienzo de la década, resultan trepidantes. Tras publicar el pegajoso Sticky Fingers los ingleses escaparon a Francia, a un lujoso castillo para dar forma, entre el caos, a la que para muchos es su obra maestra. Un disco eterno que tiene todos los grandes rasgos sonoros de la carrera de los Stones y donde también están sus mayores riesgos.

David Bowie | The Raise and Fall of Ziggy Stardust

Pocos músicos han tenido una racha tan maravillosa como la del David Bowie de comienzos de los años 70 cuando enlazó obras maestras, personajes inventados y apuestas sonoras de primera. Tras el eterno Hunky Dory y antes del espléndido Aladdin Sane, Bowie creó a Ziggy Stardust y publicó su obra maestra, un disco que nunca envejece y que siempre resulta adictivo y eso que solo era una de las múltiples caras de aquel Bowie que al borde de la locura y de la muerte sacó algunos de los mejores discos de la década.

Patti Smith | Horses

No se puede decir mucho de un disco que empieza con la frase “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”. El debut de Patti Smith fue una irrupción fascinante en la música de los años setenta, la poetisa reconvertida en musa del punk. La historia de los inicios musicales de Patti Smith resulta tan fascinante como su música, como las canciones de este disco.

Rubén Blades | Siembra

En 1978 llegó a las tiendas Siembra, un disco que iba a poner la música latina patas arriba. Un álbum de salsa que era mucho más, como también era mucho más su creador, un Rubén Blades que fue abogado, político, actor y uno de los grandes referentes de la música latina. Salsa intelectual llamaron a aquella música que a los ritmos tradicionales de Willie Colón incorporó un retrato de la sociedad latina de los barrios estadounidenses creando una idea identitaria y de comunidad, con sus valores y sus denuncias. Un álbum que llegó con la etiqueta del sello Fania, y que transformó el rumbo de la salsa con canciones largas con historias sencillas pero llenas de mensaje.