Viajes físicos y literarios para sanar nuestra insensibilidad

Este episodio de La Hora Extra llega en el final de lo que para muchos ha sido un puente por el 1 de mayo, Día Internacional de los Trabajadores. Por aquí queríamos empezar, preguntándonos qué papel desempeña el trabajo en nuestras vidas. Vocación o alienación, medio de subsistencia o de realización, el trabajo ocupa un lugar complejo en nuestro día a día. Lo sabe bien Fabien Toulmé, que nos lleva de viaje buscando historias que arrojen luz sobre el mundo que nos rodea. Trabajar y vivir es como se titula el libro que ha publicado y presentado en España con Garbuix Books. A medio camino entre el reportaje, la novela gráfica y el relato personal.

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El dibujante Fabien Toulmé estuvo escuchando mucho tiempo una voz que le decía que quizás ese trabajo de ingeniero que tanto envidaban sus amigos y conocidos no era realmente lo suyo. "Cuando era pequeño quería hacer cómics y luego, cuando llegué a la edad de elegir mi profesión, me dije a mí mismo que probablemente sería complicado hacer cómics y me hicieron entender y me convencí de que un trabajo científico tendría más salidas. Empecé a trabajar como ingeniero sin saber realmente lo que significaba y sin que me gustara. Trabajé durante 12 años como ingeniero, la mayoría en el extranjero, como expatriado. No me gustó para nada y fue entonces me dije a mí mismo, tengo 29 años, todavía me quedan unos buenos treinta años para trabajar o incluso más. Si quiero experimentar las cosas de una manera positiva, a diario, es mejor que haga algo que me guste. Así que volví a Francia y empecé a dibujar", le confiesa a Soledad Domínguez de Radio Barcelona.

Ahora que ha conseguido ganarse la vida como dibujante de cómics, no ha podido dejar pasar la historia de la gran dimisión. Un fenómeno que comenzó en Estados Unidos en julio de 2020, tras la pandemia de covid. Millones de personas dejaron sus empleos por agotamiento, por el sufrimiento que les provocaba la organización laboral. Lo dejaron todo sin tener muy claro para hacer qué, más allá de no vivir solo para trabajar. Algo, remarca Toulmé, que tampoco es fácil. "Ha habido una serie de discursos para mostrar lo positivo del trabajo, en las escrituras religiosas se modificaron ciertos textos para transmitir la idea de que el trabajo sería algo sagrado. Y por lo tanto, desde el momento en que el trabajo llegó a nuestras vidas como algo sagrado, como una forma de mostrar el talento propio, el trabajo realmente se ha convertido en una parte muy importante de nuestras vidas y casi inseparable del hecho de ser un ser humano", lamenta.

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Esa pátina sagrada que a lo largo de la historia se ha dado al trabajo, ha disimulado el origen de la palabra, que nos remite a objetos de tortura o de restricción de los movimientos. Muchos de los que renunciaron han intentado trabajar por su cuenta, aunque eso, dice el autor, es en muchos casos una solución envenenada. "Las plataformas digitales son una manera muy fácil de escapar del mundo corporativo y de una organización que causa sufrimiento, para avanzar hacia algo que imaginamos que es más positivo, pero no es tan positivo. En Corea, en particular, uno de los efectos de este trabajo para plataformas digitales es la muerte por exceso de trabajo, existe algo que se llama Gwarosa", explica.

De Estados Unidos a Corea, de allí hasta el archipiélago de las Comoras, Toulmé confiesa que no ha encontrado la fórmula ideal para que el trabajo no nos ahogue, "porque hay mucha distancia entre los que gestionan y los que se ensucian las manos", advierte, pero lo importante es encontrar la forma de hacer las dos cosas al mismo tiempo, trabajar y vivir, concluye.

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También ha pasado estos días por España Cristina Rivera Garza. La mexicana, premio Pulitzer por El invencible verano de Liliana, nos ha presentado Terrestre con Random House, que sería la Cara B de la historia de Liliana, le cuenta la escritora a Pepa Blanes. "Aquí tenemos a jóvenes más o menos por las mismas épocas que exploré en el libro de Liliana, pero estas son las chicas que no cayeron víctimas del feminicidio. Me interesaba saber qué pasó con ellas, dónde quedaron sus ansias de libertad, a qué se enfrentaron, cómo sobrevivieron, qué trajeron también de propuestas al mundo".

Terrestre es una serie de relatos que tienen que ver con los trayectos, físicos y mentales. Porque "el viaje nos reta a ser otros, nos marca la vida y nos saca de nuestra insensibilidad". El viaje es un buen motivo para hablar de la amistad, de la juventud, de la memoria o del deseo. "Me interesa este mundo de la amistad entre chicas, que suelen suelen ser relaciones tan profundas, que marcan vidas enteras, que duran vidas enteras también y que no necesariamente son historias digamos sexuales o eróticas, aunque incluyen el deseo, el deseo por el mundo y el deseo y la curiosidad por el mundo", explica la escritora. "Me parece que es un buen momento, quer nuestro mundo ahorita necesita mucha amistad. Necesitamos mucho de esta experiencia de la amistad para poder sobrevivir estos tiempos tan terribles que nos tocan vivir ahora", concluye en el avance de la entrevista que compartiremos esta próxima semana.

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Y un último viaje, el que nos propone la joven escritora avilesina Laura Ramos. La bella Varsovia edita Nonú, su tercer poemario. Nonú es un mundo mágico, lleno de fábulas e historias escondidas en el que se desarrolla este poemario, y un mundo real, en el que suceden historias de amor, duelos, relaciones maternofiliales con constantes referencias a Anne Carson. Un lenguaje libre y propio que nos presenta a una nueva voz de esta generación de jóvenes poetas.

En su tercer poemario publicado, que podría leerse en medio del bosque, Laura Ramos nos cuenta una historia en la que habitan la bruja de vidrio y los mirlos metálicos, el gnomo Momo y la niña de goma. Construye un mundo que suena asturiano con referencias a la llingua y a figuras de la cultura asturiana como Rodrigo Cuevas. "Creo que la la situación lingüística de Asturias ahora mismo es mucho más visible para el resto de España, gracias a algunos artistas como Rodrigo Cuevas, algunos escritores como Xaime Martínez. Yo soy filóloga y he estudiado mucha lingüística y he visto cómo, efectivamente, hay lenguas que se han convertido como en una especie de mastodonte alimentado también por la globalización, por el capitalismo, y van dejando de lado otras lenguas minoritarias que también se convierten en minorizadas y que acaban desapareciendo. A mí eso me genera una tristeza absoluta", le cuenta la escritora a Laura Martínez.

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Rompiendo con las estructuras clásicas de un poema, Laura Ramos escribe a caballo entre el relato, el verso y el diálogo, dos textos que juntos conforman un lenguaje novedoso y donde ese lenguaje es precisamente motivo de incomunicación de los personajes. "La identidad, cómo nos configuramos como personas, es a través del lenguaje. Nos relacionamos con el mundo y con el resto de personas a través de ese lenguaje y, sin embargo, el lenguaje a veces no basta. De hecho es la gran preocupación que hay a lo largo de todo el libro, cómo las palabras no son suficientes para decir lo que quieres", explica.

¿Y qué hacer cuando las palabras son un lastre? Como señala la autora, nuestra historia está hecha de lenguaje, pero el lenguaje está mal hecho. Acudamos entonces a otras artes, a la pintura de Leonora Carrington, Isabel Quintanilla y Clara Peeters. "Yendo a exposiciones temporales del Thyssen y a museos en general, pero sobre todo en exposiciones temporales del Thyssen, descubrí a estas pintoras que, de alguna manera, conectaron conmigo y me permitieron terminar el libro", confiesa. La búsqueda de la identidad, el amor, el duelo o la maternidad son otros de los temas que vertebran todo este poemario.

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Con Nonú, Laura Ramos se erige como una de las voces de una nueva generación de poetas diversa, ecléctica y con miradas que se complementan, en busca de trazar un mapa literario aún por definir. "Todo el mundo está haciendo algo diferente. Hay poetas que escriben mucho acerca del mundo LGTB, poetas que escriben mucho acerca de ecología o gente que se centra también en la tradición, por ejemplo, en mi literatura hay algo de guiño a la literatura medieval. Hay mucha heterogeneidad y eso yo creo que es maravilloso", concluye Laura Ramos. Toda la conversación entre las dos Lauras la compartiremos esta próxima semana, suscríbete a La Hora Extra en tu plataforma de audio favorita.

De Bizet a Chaikovski, obras inmortales que han trascendido los siglos

Este año se cumple el 150 aniversario de Carmen, la ópera de Georges Bizet. Para celebrarlo, la Compañía Antonio Gades está girando 'Carmen', de Antonio Gades y Carlos Saura, que lleva representándose ininterrumpidamente desde su creación. Carmen de Antonio Gades y Antonio Saura es una obra maestra que fusiona música, ópera, teatro, danza y flamenco, llevando este arte más allá de sus raíces.

Aprovechando que este mes de mayo paran en Madrid, hemos conversado con la actriz María Esteve, hija de Gades, y con Eugenia Eiriz, viuda y presidenta de la Fundación Antonio Gades. Cuenta María Esteve que lo que más le gustaba a su padre era un escenario desnudo, vacío, para que en sus espectáculos solo contaran dos cosas: la danza y el sentimiento. Carmen es un grito de liberación, de amor libre, una defensa de los derechos de las mujeres, donde todo el mundo baila, se expresa, donde la intensidad de la partitura de Bizet se mezcla con la sensualidad y la pasión del flamenco y con la mirada del cineasta Carlos Saura.

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Es la Carmen de Mérimée la que inspira este espectáculo, la que mejor refleja al pueblo andaluz, que rompe con la imagen estereotipada de una mujer que nunca perdió su conciencia de clase y su amor a la libertad. Un personaje al que admiraba profundamente el coreógrafo, que quiso revisar el mito contraponiendo la cultura popular española a la música del compositor francés.

La obra estrenada hace 35 años, la primera en colaboración con Saura, fue concebida como respuesta a los musicales americanos. La primera Carmen en danza española, una Carmen que se escapa de lo común, donde las emociones más descarnadas construyen la historia del personaje. Una Carmen que somos todas, decía su hija, que Gades nos descubre a través de la danza, la que está hecha para todos, la que nos sirve para entender de dónde venimos y quiénes somos.

El 3 de marzo de 1875 se estrenó Carmen en el teatro de la ópera cómica de París y un par de décadas después, el 28 de octubre de 1893, Piotr Chaikovski estrenó su Sinfonía nº6, la "Patética", en San Petersburgo. Tan solo 9 días después, el compositor ruso falleció a los 53 años. La causa oficial fue el cólera, aunque hay quien lo atribuye a un suicidio. Con esta posibilidad juega también Miguel del Arco en su nueva obra, La Patética, que estrena esta próxima semana en el Teatro Valle-Inclán de Madrid con el Centro Dramático Nacional. Israel Elejalde interpreta a Pedro Berriel, un compositor de 53 años al que le comunican que le queda poco tiempo de vida. Antes de morir, confía en poder grabar la sexta sinfonía de Chaikovski en directo. E incluso ir a interpretarla a Moscú. La Patética bebe de los diarios y cartas del compositor, entre otros, y está inspirada, sobre todo, en la novela Morir, del austriaco Arthur Schnitzler, que nos cuenta cómo afecta a un matrimonio que él vaya a morir en un año.

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La Patética de Miguel del Arco es mucho más luminosa que Morir de Schnitzler, que era una historia oscura, un descenso a los infiernos. Esta es una lección sobre una de las preguntas básicas de la filosofía: ¿qué es la muerte?, ¿cómo prepararse para la muerte?, ¿se puede aprender a vivir? No hay una respuesta clara, pero sí que para aprender a morir, hay que aprender primero a vivir. La Patética es eso, una celebración de la vida, de la alegría, propia o ajena, si no la encontramos en nosotros mismos. Es lo que recogía Chaikovski en sus diarios, es lo que busca también Del Arco.

Este matrimonio que se enfrenta a la muerte está formado por Elejalde y Jimmy Castro, que interpreta a Jon, el marido. Una pareja homosexual e interracial, en estos tiempos de retroceso en derechos y libertades para tantas personas que no son blancas y heterosexuales. Chaikovski era homosexual, como nos recordaba Álvaro J. Sanjuán en La Hora Extra, aunque nunca lo asumió públicamente. Del Arco ha querido jugar con este paralelismo, el del compositor ruso, cuyo fantasma aparece en la obra para dialogar con Pedro Berriel en sus delirios, y para mostrar que lo tendría mucho más complicado hoy en la Rusia de Vladimir Putin, que de lo que lo tuvo en su tiempo. El dictador, genocida y homófobo ruso también aparece en la obra. De todo ello hemos conversado con Miguel del Arco, que hace dos años nos traía a su Rigoletto de Verdi. Toda la entrevista este lunes en La Hora Extra, en vídeo, y en tu plataforma de audio favorita.