'Joker', un antisistema en Hollywood

Madrid

Rodeada de polémica se estrena Joker, una de las películas más esperadas y la ganadora del León de Oro en Venecia con un espectacular Joaquín Phoenix. Vuelve José Luis Garci, el oscarizado director regresa con El Crack Cero, revisitando una de sus grandes películas con Carlos Santos como sustituto de Alfredo Landa. En Sucedió una noche repasaremos las dos películas anteriores sobre el personaje de Germán Areta. Más regresos, el de Daniel Sánchez Arévalo. Después de seis años llega con Diecisite, una comedia de hermanos que recorren en caravana Cantabria. En televisión, Peaky Blinders ya tiene nueva temporada. Estos mafiosos de clase obrera siguen dando guerra.

• Termómetro de estrenos de cine: de 02:00 a 30:00 minutos 
• Sucedió una noche: de 30:00 a 54:00 minutos 
• Las series de televisión: de 55:00 a 80:00 minutos

Joker (Todd Phillips)

"Superman es un héroe ingenuo, mientras que Batman es un héroe cínico que encarna a la perfección el realismo capitalista", dijo el teórico Mark Fisher. Por ahí se mueve Joker, la versión de Todd Phillips sobre uno de los villanos más icónicos de los cómics de DC.

La historia no es más que la conversión de un personaje que pasa de parásito a líder de una revuelta. Un enfermo mental al que los recortes de Thomas Wayne y el resto de poderosos burócratas que gobiernan la ciudad dejan sin acceso a la sanidad, ni a un puesto de trabajo, ni a una vida digna. Mientras los ricos de Gotham suman más y más dinero. Toda una metáfora de la sociedad actual, solo hay que mirar a las calles de Nueva York, San Francisco o Los Ángeles, llenas de personas sin hogar, muchos en la calle por no poder pagar la sanidad.

Si en La leyenda renace los villanos son el movimiento Occupy Wall Street, el equivalente a nuestro 15M, protestas surgidas del descontento tras las medidas de austeridad en la crisis, en Joker no es que sean buenos, simplemente están legitimados para levantarse, incluso usando la violencia.

Joker es el retrato profundo de un personaje que solo quiere hacer reír, en su condición de payaso, ser normal y sentirse querido e integrado en la sociedad. Ni su madre enferma, y los traumas que ella acarrea, ni sus vecinos y compañeros de trabajo, ni siquiera su terapeuta le miran como tal. Ahí empieza a fraguarse la maldad, la venganza. Es curioso cómo Philips retrata la bajada a los infiernos de cualquier persona afectada por la crisis y la precariedad. Los recortes le dejan sin medicación, eso acrecienta su enfermedad, su comportamiento extravagante es el motivo de despido y su depresión y ansiedad configuran el rechazo social.

Este ha sido el punto más polémico desde su paso por Venecia, donde la película logró el León de Oro. La violencia contra el sistema no gusta, asusta. Dicen los críticos que en un país donde hay tiroteos, no es serio el tono de esta película. Por eso el director evitaba hablar de política en Venecia, solo entretenimiento decía. El León de Oro y la argumentación del jurado hicieron que reconociera lo que había filmado.

Todd Phillips, director de Resacón en Las Vegas, rompe las normas del cine de superhéroes, sin hacer una película de superhéroes y sin casi escenas de acción, solo una persecución en el metro del Nueva York de los ochenta. Lo que hace Phillips es decirnos que no vale la dicotomía cristiana de buenos y malos en una sociedad que crea gente desesperada y atomizada, como este personaje.

Joaquin Phoenix borda una interpretación física en la que evita la caricatura. Esta la risa del personaje, despiadada y tenebrosa. Esta la ternura y fragilidad que el actor consigue imprimir a todos sus personajes y está el gesto en cada una de las escenas.

El Joker está más cerca de Taxi driver que de Batman. Dos personajes, hundidos por el propio sistema, uno traumatizado por Vietnam, el otro incapaz de integrarse porque el darwinismo social es cruel, despiadado y no funciona. Y hablando de Taxi driver, Todd Phillips usa a Robert de Niro como una estrella de la televisión, un guiño más a Scorsese, con una escena televisiva que recuerda a El rey de la comedia. Pero hay más, Joker también es una mirada a la subida a los altares del héroe en esta era mediática. Hacer un líder político a cualquiera que llegue, resignificar cualquier acto sin pensar en el origen.

El crack cero (José Luis Garci)

Prometió que se retiraba, pero José Luis Garci regresa con un homenaje estilizado a todo su universo. El director ha hecho una precuela de una de sus películas más famosas, El Crack, el personaje del detective que encarnó Alfredo Landa, ahora lo interpreta Carlos Santos, en una película en blanco y negro ambientada en plena muerte de Franco y Transición. La historia parte seis meses después del suicidio del sastre Narciso Benavides, una misteriosa y atractiva mujer casada visita a Germán Areta, ahora detective privado, para que inicie una investigación. La mujer está convencida de que el sastre, que era su amante, fue asesinado. Aunque su instinto le dice a Areta que la gente sólo mata por amor o por dinero, irá descubriendo que hay más motivos.

Diecisiete (Daniel Sánchez Arévalo)

Después de La gran familia española, Daniel Sánchez Arévalo ya tenía nuevo proyecto, producción, actores, la historia. Lo dejó. Necesitaba parar. En ese lapso de tiempo ha rodado cortos, anuncios y hasta quedó finalista del Planeta, y decidió esperar a encontrar otra historia. Eso ha llegado con Diecisiete, una comedia triste con la que vuelve a los orígenes. Diecisiete es una road movie en Cantabria. La historia de dos hermanos que no se llevan bien y que aprenden a sobrellevarse. Hombres que no saben expresar sus emociones. La especialidad del autor, desde su debut con el que ganó el Goya a dirección novel.

Una historia íntima, bien interpretada, bien rodada y con un guion que funciona sin caer en la sensiblería ni en los tópicos. Su gran baza son los diálogos y los actores, dos desconocidos en el cine, como Biel Monto y Nacho Sánchez, el actor más joven en ganar un premio Max de teatro. 

• Entrevista a Daniel Sánchez Arévalo

Amazing Grace (Alan Elliott, Sydney Pollack)

En 1972 ya era la reina del soul, un referente de la música negra que acumulaba éxitos (I never love a man the way I love you, Respect o I Say a Little Prayer). Pero Aretha Franklin sintió la necesidad de parar, de pensar en sus orígenes y volver a la música de su infancia, el góspel. Para ello organizó un concierto de dos días en una iglesia bautista de Los Ángeles que se convertiría en el álbum más vendido de su carrera. 

La actuación también se grabó en vídeo. Formaría parte de un documental que encargaron a Sydney Pollack, el director empezaba a despuntar en el cine, pero cometió un error de principiante, olvidarse de las claquetas. 20 horas de grabación que nunca pudo montar. Casi 50 años después, Alan Elliot, antiguo productor de Atlantic Record, recupera este tesoro cinematográfico tras sincronizar sonido e imagen y lograr la autorización de la familia. La cinta se configura como una ceremonia. Una expiación íntima. Una catarsis en la que Aretha Franklin despliega todo su repertorio acompañada de un coro, el reverendo Franklin y unos fieles entregados, entre los que se encontraba Mick Jagger. 

• Entrevista a Alan Elliot en el Festival de San Sebastián

La directora de orquesta (Maria Peters)

Antonia Brico era una holandesa que, en los años 20, quería convertirse en directora de orquesta. Nadie la tomaba en serio por ser mujer, pero finalmente se convirtió en la primera mujer en el mundo que dirigió la Filarmónica de Berlín a finales de esa década. Basándose en su historia Maria Peters presenta esta película: La directora de orquesta.

Ya se hizo un documental sobre Antonia Brico en el 74 que fue nominado al Oscar y que puso de nuevo en el punto de mira a la holandesa antes de volver a la oscuridad, al olvido en el que, a lo largo de los siglos, han caído muchas mujeres artistas. Y precisamente fue esa oscuridad lo que estimuló a Maria Peters a escribir y dirigir esta historia de una lucha persistente por conseguir un objetivo y hacerse hueco en un mundo de hombres.

La directora se puso en contacto con un primo de Brico que la conocía muy bien para poder contar su historia. Se ha centrado en la parte de su vida en la que da el primer paso para convertirse en directora, parte en la que pasa de ser Willy, que es el nombre que le pusieron sus padres adoptivos, a Antonia, su nombre original. Etapa en la que pasa de lo imposible a lo posible y en la que, después de dar muchos tumbos en busca de ayuda se instala en Berlín y gracias a Karl Muck se presenta al examen de ingreso de la academia nacional de música.

En la película toda su lucha va acompañada de una historia de amor que la directora incluye, dice, para hacer un film más universal y captar un público más amplio. Antonia encuentra al amor de su vida y deberá decidir entre su corazón o perseguir sus sueños. Desafortunadamente, la carrera de Brico no fue mucho más lejos. Creó la New York Women’s Symphony Orchestra en el 34, una orquesta solo de mujeres, pero cayó en picado cuando empezó a admitir hombres. Todo lo que consiguió no cambió el destino de las mujeres en la dirección. Hoy no hay grandes mujeres directoras, están totalmente ausente en el top 20 de directores más famosos.