Cannes

Este ha sido un Cannes de transición. Lo decía su máximo dirigente, Thierry Frèmaux, en la rueda de prensa de inicio del festival y lo hemos constatado. Si el año pasado coincidieron veteranos directores del cine independiente presentando las que probablemente serán sus últimas películas, como Ken Loach o Marco Bellocchio, este año el certamen casi ha rendido homenaje a ese nuevo Hollywood de los 70 representado por Francis Ford Coppola, Paul Schrader o George Lucas. También a Meryl Streep, actriz sin cuyos personajes es difícil concebir el cine moderno, le decía emocionada Juliette Binoche en la inauguración. Con George Miller y su 'Furiosa' y Kevin Costner presentando la primera parte de su wéstern 'Horizon' fuera de competición, la competición oficial ha sido muy desigual, con mucho cine anglosajón y propuestas kamikazes como Emilia Pérez y The substance. Solo en últimos días ha emergido un cine más experimental y periférico con los trabajos del portugués Miguel Gomes, la india Payal Kapadia y el iraní Mohammad Rasoulof. En este episodio especial recorremos quince días de cine con sus protagonistas.

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Las críticas de todas las películas

Francis Ford Coppola desconcierta con 'Megalópolis', una delirante y utópica mirada a la descomposición de América. "Todo es irregular en Megalópolis, pero todo es épico a la vez. Cada actor está en un registro, hay giros de guion que no cuadran y hay más dorados que en una fiesta de Moros y Cristianos. El vestuario pura diversión y los decorados un lujo kitsch que solo un veterano de 84 años puede permitirse. No hay una línea roja para el director, que aprovecha para meter material documental de la ciudad de Nueva York, de la estatua de la Libertad, que acogió a tantos inmigrantes europeos, entre ellos sus antepasados, como las imágenes de la ciudad desolada tras los atentados del 11 de septiembre. Megalópolis es un canto de amor a una ciudad que aunque ha tocado fondo, todavía puede levantarse, porque las utopías, dice Coppola, deben volver, debemos ser capaces de imaginar un futuro mejor, aunque sea hortera y lleno de dorados". Seguir leyendo

Francis Ford Coppola: "Es aterradora esta tendencia hacia la derecha, incluso fascista, del mundo hoy"

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Sean Baker reescribre en 'Anora' el cuento de hadas con una comedia de aventuras de una stripper. "Baker se entrega a la comedia en muchos momentos de la película. Anora tiene algo de ruptura con respecto a sus películas anteriores. Es cierto mantiene su sentido del humor, que vuelve a apostar por una protagonista joven, una trabajadora sexual de nuevo, pero deja los bajos fondos para subirnos a un avión privado, para meternos en una mansión llena de lujos superfluos. Demuestra que sabe también salir de los márgenes y filmar una película de millonarios, que podrían tomar café con Donald Trump, o con Putin, según el día, pero lo hace desde la mirada de una joven de clase obrera, que curra donde puede y como puede y que sueña con dejar ese trabajo sexualizado. Es significativo que en un momento del filme, la madre rusa le dice que si no firma el divorcio, le quitará su casa y su coche, propiedades que, evidentemente, no esa chica ni siquiera se plantea tener." Seguir leyendo

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Jacques Audiard conquista Cannes con 'Emilia Pérez', un explosivo musical sobre una narco trans. "En Emilia Pérez el género, cinematográfico, se diluye a base de acumular referencias, de mezclar estilos y propuestas y de hacer siempre lo que nadie espera que un director haga, estando siempre cerca del abismo y de mandarlo todo a la porra. Pero curiosamente, sale vivo de cada giro, de cada tema farragoso, de cada momento y de cada número musical. Decía que los géneros vienen siempre de otros géneros. Que uno nuevo, es siempre la transformación de otro viejo. De manera que la tragedia no se entiende sin su relación con la comedia, con el drama. Los géneros se definen en sus relaciones, casi como las personas, en sus interacciones con otras, en su propio movimiento. Preciosa definición sobre cómo fluye una película que combina varios géneros y cómo fluye la identidad de su personaje protagonista, pero insiste Todorov en que se requiere una transgresión al género, porque así se descubren nuevas posibilidades". Seguir leyendo

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'The Substance' es el festín sangriento que Cannes necesitaba con una espléndida Demi Moore. "En un mundo donde las mujeres se inyectan el medicamento de los diabéticos para adelgazar, donde la depilación duele, donde operarse los labios, los pechos, el culo es algo cada vez más habitual, lo que hace la directora es cuestionar todo ese aparato violento y represor que acaba dejando huellas y violencia en el cuerpo de las mujeres. "Mi intención era mostrar que el cuerpo de las mujeres define cómo somos vistas en la sociedad, y al violencia que somos capaces de infringirnos nosotras mismos, imbuidas por la sociedad. Es una manera metafórica de mostrarlo, porque esa violencia es muy extrema", explicaba la directora que se definía como una mujer feminista que a los cuarenta empezó a temer que la sociedad iba a borrarla, que ya no iba a ser deseada por nadie. "Siempre hay algún comentario sobre el cuerpo de las mujeres". Por eso, se ha centrado en buscar qué es lo que hace que nos odiemos, ¿está dentro de nosotras o nos lo dicen los señores? Todo ello lo hace con una propuesta que no teme a volcarse en el género, en el body horror, sin miedo a dejarse llevar por lo grotesco, llenando de sangre un plató de televisión. La directora es feliz dejando referencias a La Mosca de Cronenberg, a Verhoeven, a La muerte os sienta tan bien, con esa chapa y pintura que acaban dándose los personajes de Moore y de Margaret Qually, a El crepúsculo de los dioses con esa estrella hundida porque Hollywood ya no la quiere. También a El retrato de Dorían Gray. El problema es que la película se queda en eso, le falta la profundidad de Titane, película con la que es fácilmente comparable, al mostrar la moldeabilidad del cuerpo y el dolor y la violencia contra él, pero es menos compleja que la Palma de Oro de Julia Ducournau". Seguir leyendo

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'The Apprentice', cómo nació la máquina del fango de Donald Trump en un biopic más mordaz de lo que parece. "El cineasta iraní busca las raíces de este hombre megalómano, misógino y déspota que amenaza con volver a presidir el país. Lo hace con guasa y con un acercamiento imitando el grano de aquella época, los setenta y ochenta, en un Nueva York en pleno crecimiento neoliberal, aquel que tan bien nos contó Oliver Stone en Wall Street. El director se entrega a la sátira y a buscar aquellas pistas en la vida de este emprendedor de clase media que ya indicaban, sin nadie preverlo, que haría historia, para mal, en la política americana. La historia se centra en su relación con el abogado Roy Cohn, el hombre que le enseñó muchas de las maniobras políticas, empresariales y judiciales que le han convertido en una figura impune. Abbasi se remonta a los años 70, a un país conmocionado por el escándalo Nixon y el miedo comunista, donde un joven Trump empezaba a infiltrarse en los clubes más selectos de Nueva York en busca de oportunidades de negocio. Ahí conoció a este letrado que se movía con soltura en los bajos y altos fondos y conseguía doblegar a fiscales y jueces para librar a sus colegas ricos". Seguir leyendo

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'The Seed of the Sacred Fig', una portentosa película sobre la fuerza de la revolución feminista en Irán. "Lo cierto es que su película es un relato de terror. Lo que empieza siendo un drama familiar, acaba siendo una denuncia política de un país que no deja libres a sus individuos, pero también un thriller donde esta familia entra en una espiral de desconfianza y tensión, y donde la violencia está latente todo el rato. "Para mí, hay algo superior, hay algo que está por encima de todo y es la libertad. Mi pasión es el cine, crear películas, pero si tengo que renunciar a esto por la libertad lo haría, porque sin libertad no habría esa pasión y no podría hacer películas. De ahí saco la energía para continuar". Esa energía es la que le permitió filmar una historia metafórica donde equipara la importancia de matar al padre con matar al estado teocrático de los ayatolás. La metáfora de cómo el poder, si es excesivamente controlador y coercitivo, acaba generando una tragedia". Seguir leyendo

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'Grand tour' encandila con un viaje anticolonial en una de las experiencias más bellas y gozosas. "Los actores son Gonçalo Waddington y Crista Alfaiate, que interpreta a una mujer lanzada a por todas, que no entiende dónde ha ido su prometido, que no cree que sea un espía y que tiene una risa extravagante y contagiosa. Son ellos personajes en segundo plano, pues la belleza de las imágenes documentales les pone en una segunda posición, los que viven una epopeya romántica llena de suspense, y que tiene un punto de partida casi de comedia romántica, Novia a la fuga sin ir más lejos, pero que, por su complejidad, nos recuerda a otro filme de la competición, Atrapados por las mareas, del chino Jia Zhangke y que aporta una reflexión sobre el colonialismo, no solo en su parte materialista, sino también en el colonialismo visual. Todo ello hacen de Grand Tour una de las experiencias más bellas y gozosas de este Festival de Cannes". Seguir leyendo

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'All We Imagine as Light', una oda a la amistad femenina. "Con delicadeza, con buenas interpreaciones y con un retrato realista de la ciudad y sus dinámicas cotidianas, Kapadia nos introduce en la vida de las mujeres y filma cómo se construyen las amistades, en el día a día, con silencios, con confesiones, hasta acabar en un precioso viaje a un pueblo con playa, donde las mujeres consiguen entenderse a pesar de la diferencia de edad, de los distintos orígenes y de sus dispares deseos. All We Imagine as Ligh es una bonita oda a la amistad femenina y al amor que ojalá entre en el palmarés". Seguir leyendo

Sorrentino lo apuesta todo a la belleza de las mujeres en una vacía 'Parthenope'. "Es cierto que estamos ante un director que rueda de una manera increíble y que lo apuesta todo a la belleza extrema, pero esa belleza está vacía. La película se inicia con una impresionante carroza antigua llena de dorados que es transportada a Nápoles como regalo de la niña que va a nacer. Después, todo es una sucesión de poses al lado del mar, en palacios decadentes y siempre una mujer semidesnuda a la que la cámara enfoca cuanto más cerca posible. Pero, como dijo Umberto Eco, la belleza es aburrida, predecible y Sorrentino todavía no se ha dado cuenta". Seguir leyendo

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Catherine Deneuve se reencuentra con Mastroianni en la emotiva 'Marcello mio'. "La película nos habla del recuerdo desde distintas figuras. La de Catherine Deneuve, pareja del actor y madre de su hija, que tiene una significativa escena, cuando este nuevo Marcello le acusa de mentirosa. "Mentiroso tú, que salías y desaparecías", espeta la diva francesa que por momentos comprende a la hija y por otros cree resucitado al actor. Está también Fabrice Luchini, el actor francés, admirador del intérprete italiano, uno de los más grandes de la historia del cine. No lo conoció y ve ahora la oportunidad de ser amigo del mito al que admira. En ese juego entre realidad y ficción entran en la ecuación la ex pareja de Chiara Mastroianni, el cantante francés Benjamin Biolay, con el que canta en varias ocasiones, y su otra ex pareja, el actor francés Melvid Poupaud, muy afectado por el cambio de la actriz". Seguir leyendo

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The Shrouds, la pérdida y el duelo bajo la mirada perturbadora de David Cronenberg. "En realidad qué pasa con los cuerpos, qué pasa con el alma, cómo podemos alargar la vida y qué hay más allá de la muerte son temas que han ido apareciendo en películas como Crash, La mosca, dende aparecía el concepto de metamorfosis, o la última de todas, Crímenes del futuro, donde acuñaba un nueco concepto relacionado con el transhumanismo. Una película menor en la filmografía de este cineasta que hace suyo el lema de cuanto más oscuro, mejor, y que aquí habla, además de la muerte, del amor, del cáncer y de la conspiración. Es interesante la advertencia que lanza este cienasta de 81 años, de que el capitalismo acabará también explotando nuestros cadáveres. Al tiempo". Seguir leyendo

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Ni Putin ni la URSS, 'Limónov' es un fallido biopic que lo apuesta todo al sexo. "El director tiene la habilidad de llevarnos visualmente por el tono gris de la URSS y los brillos del Nueva York de los 70, con la música de la Velvet Underground haciendo más placentero el viaje de este Barry Lindon soviético, e insistiendo en la obsesión por Estados Unidos de un personaje que se definía como admirador de Stalin. También la facilidad con la que antepone esos dos mundos separados por el telón de acero, sus aciertos y sus contradicciones. Sin embargo, el relato decepciona al dejar fuera la parte más política, que no parece tener cabida en esa propuesta estética, dada a las orgías, al sexo y a las rabietas de niño mimado. Es como si todo se centrara en el sexo y en sus relaciones, recordemos que reconoció en uno de sus libros que folló con un negro en Nueva York, todo un escándalo en ese momento, y ahora, para una Rusia que sigue prohibiendo a las personas LGTBIQ. Eso sí, hay queda la mención al apoyo Palestina, ya en los setenta, como una de las manifestaciones más peligrosas en Estados Unidos". Seguir leyendo

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'Caught by the Tides', la historia de amor que recorre los cambios en la China reciente. "La ha rodado durante 20 años y se corresponde a la historia de amor de dos trabajadores. Él se va a otra región de China más rica y ella le busca. Exactamente igual, pero contado de otra manera, pues el director emula la hazaña de Richard Linklater en Boyhood y rueda la vida de estos personajes con los mismos actores a lo largo de los años, intercalando distintos formatos, y llega hasta la actualidad, 2022, con la pandemia todavía dando algún que otro coletazo. El rodaje comenzó en 2001 en Datong, en la provincia de Shanxi, al norte de China. Durante dos décadas, mientras filmaba el resto de sus películas, Jia Zhang-ke se empezó en documentar los cambios de su país, sin saber muy bien qué haría con esas imágenes. Fue con el confinamiento cuando pensó en cómo darles forma, a través de esa historia de amor para la que ha contado con sus actores habituales, Zhao Tao y Li Zhubin, lo que permite al cineasta revisitar su propia obra y jugar con las referencias a sus películas recientes, solo que aquí combina metraje filmado con equipos que van desde películas de 16 mm hasta 5D e incluso experimentos con IA". Seguir leyendo

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Andrea Arnold se pasa al realismo mágico con 'Bird', una historia de la adolescencia en los márgenes. "Con Bird, la directora continúa reflejando un estudio de la clase obrera inglesa de la actualidad, donde los jóvenes son irascibles y violentos, debido a la opresión del ambiente en el que viven, de lidiar con adultos irresponsables, poco comprometidos, que no paran de tener hijos y nuevas parejas. Es cierto que, por momentos, el relato va creciendo en crudeza y casi no hay espacio para pensar en otro futuro para esa niña a la que nadie explica qué es la menstruación. Pero Arnold se las apaña para darnos momentos de empatía dentro de una familia imperfecta, con esa escena final en la estación de tren. Y, por supuesto, con la música y el baile, tan importante en el cine de la directora británica, que aquí da un respiro a la narración en una brillante y emocionante escena final a ritmo del pop inglés de los noventa y los 2000: Oasis, Blur, Coldplay, The Verve, canciones que baila el bueno de Keoghan, uno de los pocos actores británicos capaz de hacer papeles de clase obrera y resultar creíble. Estupendo, de nuevo, incluso en esa broma a Murder on the floor, y estupendas las niñas con las que Arnold consigue una naturalidad fuera de lo común". Seguir leyendo

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Yorgos Lanthimos examina la obsesión y el control en la retorcida e irregular 'Kinds of Kindness'. "En realidad puede leerse como un compendio de todas las dudas existenciales que el director griego ha tratado en sus películas, con algunos tics de la tragedia griega, ahí la música operística que emerge en algunos momentos, el miedo a los dioses -aquí disfrazados de padres, hombres poderoso o líderes espirituales y religiosos, o los grandes dilemas y dramas a los que se enfrentan los personajes. Tragedia griega sí, mezclada con el thriller psicológico y siempre con ese tono cínico que ha ido cultivando Lanthimos a lo largo de su carrera. El primer fragmento es una indagación de hasta donde los humanos somos capaces de aguantar la manipulación de los poderosos, sea un dios todopoderoso o un jefe aparentemente misericordia como Willem Dafoe. ¿Qué sacrificaríamos por mantener nuestro status quo, nuestra casa, nuestra pareja, nuestro trabajo, la admiración de los demás? ¿Seríamos capaces de sacrificar a otro ser humano por el bien nuestro? Dudas que no resolvería ni el Oráculo de Delfos, pero que permiten que las espectadoras piensen en qué hacen por miedo, pensando que es una acción libre y deseada". Seguir leyendo

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'Diamant Brut' o cómo los realities se convirtieron en la gran esperanza de las mujeres de clase obrera. "La directora se atreve a mirar a estas mujeres a la cara y a mostrar diferentes formas de salir adelante: prostitución, trabajos precarios, sexualización de una misma, y conseguir ser famoso. "Ahora ser famoso es no hacer nada", dice la madre de la protagonista en una de las escenas. Es exactamente eso lo que llevan haciendo los programas de telerrealidad hacer de ser visto un trabajo. El selfie añade un paso más y espectaculariza el día a día, la intimidad de cada usuario. Eso lleva a dar cada vez más a los seguidores. Cada día hay que dar algo nuevo para ganar más seguidores, entrando en una espiral que lleva a la protagonista a modificar su cuerpo todo el rato, pues el camino más fácil de lograr seguidores es dando lo que ellas quieren oír". Seguir leyendo

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'Oh Canadá', Paul Schrader se estrella con las 'batallitas' de un artista infiel. "Es como si Schraeder hubiera perdido el pulso visual, pero también el foco de la historia. En lugar de indagar en los claroscuros de este tipo intachable, que fue objetor de conciencia en la Guerra de Vietman, suceso político que marcó a la generación del Nuevo Hollywood, se centra en contar sus infidelidades y el abandono de un hijo de su primera esposa. Hubo un periodo "en el que todos los jóvenes estadounidenses tuvieron que tomar una decisión" respecto al reclutamiento, algo que se ve en la película, recordó Schrader, que dijo que él fue rechazado por razones médicas, pero amigos suyos fueron reclutados y otros trataron de escaparse de todas las formas posibles. Sin embargo, la director lo único que le importa es, de nuevo, el sufrimiento de un hombre, y nada más. De nuevo, la redención es el tema de esta película, como lo fue de El jugador de cartas, de El jardinero fiel o de El reverendo, como lo está en la mayoría de sus guiones. El perdón en una sociedad protestante, que cree más en las obras que en el arrepentimiento. Pero el perdón del personaje de Richard Gere solo es hacia su mujer. Nunca hacía el mundo que lo aupó". Seguir leyendo

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Películas fuera de competición y cine español

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